‘아푸’3부작

소년 아푸가 큰 눈으로 세상을 바라보고 있다.

깡촌 소년이 아버지가 되기까지의 윤회적 삶

인도의 벵갈 깡촌에서 태어난 소년 아푸의 삶의 서클을 그린 인도의 명장 사티아짓 레이의 ‘아푸’ 3부작은 인도 영화를 세계적인 예술영화의 무대에 올려놓은 인생과 인간성에 관한 풍요한 찬미다. 인도 영화계의 마하트마 간디라 불린 레이의 이 3부작은 세계 영화사상 최고의 걸작 중 하나로 꼽히고 있는데 비부티부산 배너지의 2권으로 된 베스트셀러가 원작. 영화는 1955년 제1편이 만들어진 뒤 5년간에 걸쳐 3편이 완성됐다. 각 영화는 개별적으로도 충분히 하나의 독립된 영화로서 즐길 수 있다.  

마치 이탈리아의 네오리얼리즘을 연상케 하는 자연광과 현장을 이용한 영화들은 가난하고 척박한 환경 속에서도 낙천성과 함께 강한 생명력을 구사하는 아푸의 삶을 어려서부터 아버지가 될 때까지 윤회하듯이 아름답고 정직하고 또 민감하게 그렸다.

가슴 다한 연민의 정과 자비롭게 통찰하는 눈길 그리고 시적인 붓질로 인생을 관조한 심오한 영화인데 절제되고 정적인 카메라가 포착한 인간성의 적나라한 내면의 조감도라고 하겠다. 흑백화면이 광채를 발휘, 보는 사람을 아름다운 이미지 속으로 침잠케 만든다. 

특히 우리가 잘 알지 못하는 배우들이 마치 거리에서 만날 수 있는 보통사람들 같아 작품의 사실성을 더욱 북돋우는데 대화가 별로 많지 않은데도 찌들고 여윈 삶을 헤쳐 나아가는 아푸를 비롯한 주변 사람들의 삶의 궤적이 웅변적으로 표현되고 있다.

고요와 함께 소용돌이치는 역동성이 오묘한 조화를 이루는 영화로 가깝고 상냥하며 비탄적이면서도 삶에 대한 긍정으로 술렁거리는데 이런 영화의 분위기와 내용을 인도의 세계적 시타 음악가인 라비 샨카르의 음악이 뒤에서 효과적으로 반주해 주고 있다.     

1955년에 만든 3부작의 제1편 ‘파터 판찰리’(Pather Panchali)는 ‘작은 길의 노래’(Song of the Little Road)라는 뜻으로 레이의 영화 데뷔작이다. 

벵갈의 깡촌에서 평 승려인 아버지와 잔소리가 많지만 굳건하고 실질적이며 다정한 어머니 밑에서 태어난 아푸가 검고 큰 눈으로 세상의 경이를 보고 경험하면서 자라는 얘기다. 카메라가 아푸의 눈에 비친 모든 것이 새롭기만 한 시골 정경을 조용하고 곱게 화폭에 담는다.

아푸의 또 다른 가족은 아푸의 독립심 강한 어린 누나와 죽음의 변두리에서 서성대지만 장난기를 잃지 않은 깡마른 꼬부랑 할머니(이 할머니를 통해 우리는 닥쳐올 죽음을 관조할 수 있다). 아버지는 출장이 잦아 아푸는 여자들 틈에서 자라는 셈이다. 인간적이요 솔직하며 아름다운 영화다. 

제2편은 ‘아파라지토’(Aparajito)로 ‘정복되지 않는 사람들’(The Unvanquished). 원래 레이는 속편을 만들 생각이 없었으나 ‘파터 판찰리’가 세계적으로 성공하면서 속편을 만들었다. 아푸의 누나가 병으로 죽으면서 슬픔에 빠진 가족이 시골을 떠나 시끌벅적한 도시 베나레스로 이사 온다. 카메라가 도시의 혼란의 소리와 풍경을 있는 그대로 스크린에 담아낸다. 호기심과 지적 욕구가 많은 10대 소년 아푸가 콜카타에서 공부하며 성장하는 모습과 그와 어머니와의 관계(나는 이 영화를 보면서 성장과정과 비슷한 어머니를 둔 아푸가 나처럼 느껴졌다)를 표현력 풍부하게 묘사했는데 1957년 베니스 영화제서 대상인 황금사자상을 탔다.

제3부는 ‘아푸 산사르’(Apu Sansar)로 ‘아푸의 세계’(The World of Apu). 이 영화는 레이가 그의 또 다른 걸작 ‘음악실’(The Music Room)로 세계 영화계의 전설이 되어가는 과정에서  만들었다.

20대가 된 아푸는 작가로 평생을 살기로 결심하면서 박봉에 콜카타의 달동네에 살면서도 글쓰기를 게을리 하지 않는다. 그의 낙천성과 생명력에 감염이 된다. 어느 날 아푸는 친구와 함께 시골에 있는 친구의 친척집에 놀러 갔다가 남의 부인이 될 젊고 아름답고 총명한 여자와 벼락치기로 결혼을 하게 된다.

아푸와 아내는 콜카타의 쪽방에서 행복한 신혼살림을 하는데 아내가 임신을 하면서 출산 차 친정으로 내려간다. 그리고 아내가 아들을 낳으면서 사망한다. 깊은 슬픔에 빠진 아푸는 아들을 보기조차 마다하고 집을 떠나 방랑의 길로 접어든다. 그리고 그동안 써놓은 귀중한 소설 원고도 바람에 날려 보낸다. 

전 3부작을 통해 가장 감동적인 장면이 제3편의 마지막 장면. 아푸가 다시 방랑의 길을 떠나기 전 아내의 집에 와 어린 아들과 대면하는데 아들은 아푸에게 돌팔매질로 자기를 버린 아버지를 탓한다. 부자 간의 짧지만 긴장감 감도는 갈등이 끝나고 아들을 목마 태우고 미래를 향해 발길을 옮기는 아푸의 얼굴에 미소가 감돈다. 이로써 아푸의 삶이 한 바퀴 돌아온 셈이다. 디지털로 복원된 ‘아푸’ 3부작이 크라이티리언(Criterion)에 의해 출시됐다.
                                                           <한국일보 박흥진 편집위원/ hjpark1230@gmail.com>

크리드(Creed)

록키가 과거 자기 라이벌이었던 아폴로의 아들 아도니스(왼쪽)를 코치하고 있다.

록키의 권투열정, 코치로 링에 돌아오다

실베스터 스탤론의 ‘록키’ 시리즈 제7편이라고 부를 수 있는 ‘록키’에서 파생된 ‘검은 록키’로 주인공 이름만 달랐지 내용은 ‘록키’ 제1편을 그대로 답습한 기시감이 있는 영화다. 권투선수처럼 튼튼하고 흥분과 재미를 모두 갖춘 영화로 연기와 촬영과 연출 등 여러 면으로 잘 만들었으나 내용이 특별히 새롭다기보다 옛날 영화를 보는 것 같은 점이 흠이다. 스탤론은 시리즈 6편의 각본을 다 자기가 썼는데 이번에는 조연으로 출연만 하고 있다.

감독(공동 각본)을 한 라이언 쿠글러와 주연배우 마이클 B. 조단은 비평가들의 칭찬을 받은 인디영화 ‘프르투베일 스테이션’으로 주목을 받고 이번에 이 WB 영화로 메이저 스튜디오 작품에 선을 보이게 된다. 

언더독 권투영화이자 멜로드라마인 영화는 처음에 부모 없이 거칠게 자란 소년 아도니스 잔슨(B. 조단)이 소년 교도소에서 싸움을 벌이는 장면으로 시작된다. 체구가 작은 아도니스가 자기보다 큰 아이를 주먹으로 때려누이는 모습에서 이 아이가 타고난 싸움꾼이라는 것을 직감할 수 있다.

이어 아도니스에게 시리즈 제1편에서 록키와 싸운 아폴로 크리드(칼 웨더스)의 미망인이 찾아와 아도니스가 크리드의 사생아임을 알리고 집에 데려다 키운다. 아도니스는 커서 회사원이 되는데 일종의 부업으로 멕시코 티와나에 내려가 도박권투로 스트레스를 푼다. 그러니까 아도니스에겐 아버지의 권투인자가 유전된 것이다.

권투가 하고파 주먹이 근질거리는 아도니스는 직장을 그만두고 필라델피아로 록키를 찾아간다. 그는 죽은 아내의 이름인 ‘에이드리안스’라는 식당을 경영하는 록키를 찾아가 권투를 가르쳐 달라고 부탁하나 록키는 이를 거절한다. 그러나 록키가 아도니스를 지도할 것은 뻔한 일로 영화의 각본은 이런 영화의 공식을 충실히 따르고 있다.

록키가 자기의 과거 훈련장인 프론트 스트릿 체육관에서 아도니스를 훈련시키면서(그러니까 록키는 시리즈 제1편에서 자기를 가르쳐주던 코치 믹키 역을 맡았던 고 버제스 머레데스 노릇을 하고 있는 셈) 얘기가 힘을 갖추기 시작하는데 여기에 아도니스와 아래층 아파트에 사는 아름다운 가수 비안카(테사 탐슨이 반짝반짝 빛난다)와의 로맨스를 양념으로 섞어 넣었다. 이 것까지 ‘록키’ 제1편을 닮았다.  

그리고 영화의 절반쯤 가서 아도니스가 링에 올라 상대방과 격렬한 경기를 벌이면서 본격적인 프로 권투선수의 맛을 본다. 그리고 아도니스의 정체가 밝혀지면서 영국의 불패 기록을 가진 라이트 헤비급 챔피언 릭키 콘란(그래암 맥타비시)으로부터 도전장이 날아든다. 리버풀에서 열린 빅매치의 피가 튀는 경기를 찍은 촬영이 사나운데 다소 과장돼 현실감이 떨어진다. 영화는 ‘록키’ 제1편과 똑같이 끝이 나는데 그러니까 이 영화가 성공하면 속편이 나온다는 말이다.

B. 조단이 다부진 연기를 잘하는데 보기 좋은 것은 스탤론의 민감한 연기다. 그가 세상풍파를 다 경험한 사람으로 더 이상 권투에 개입하지 않으려고 하면서도 안에서 끓고 있는 권투에 대한 열정에 시달리다 코치로 링에 복귀하는 모습을 연민의 마음이 일도록 아름답게 보여준다. 오스카 조연상 후보감이라는 말이 나돈다. 

유명한 필라델피아 미술관 앞의 록키계단이 영화 맨 끝에 나오고 빌 콘티가 작곡한 사람을 흥분시키는 ‘록키’의 주제음악의 일부가 필라델피아의 하늘에 메아리를 남긴다. PG-13. 전지역. ★★★½(5개 만점)         <한국일보 박흥진 편집위원/ hjpark1230@gmail.com>

야생마(Mustang)

5명의 자매들은 집안의 억압과 통제에 집단으로 저항한다.

터키 시골 5자매의 ‘전통과 관습 탈출기’

제목은 갈퀴를 휘날리며 광야를 달리는 짐승이 아니라 야생마와 같은 독립심과 넘치는 에너지 그리고 자유혼을 지닌 5명의 터키 시골의 자매를 말한다. 아름답고 심오하며 감수성과 민감함이 가득한 눈부신 작품으로 빈틈없는 연출과 흥미진진한 서술방식 그리고 음악과 촬영과 연기 등 모든 것이 거의 완벽한 작품이다.
장소와 배우들과 대사 그리고 감독(여류 데니즈 감제 에르구벤은 터키계 프랑스인으로 이 영화가 데뷔작) 등이 전부 터키어요 터키인인데도 이 영화는 프랑스의 오스카 외국어 영화상 후보작이다. 돈과 제작진이 프랑스산이어서 그렇다.
시대는 현재. 터키 북부 흑해안의 작은 마을. 부모를 일찍 잃고 할머니(니할 콜다스)와 삼촌(아이베르크 펙칸) 밑에서 자라는 5명의 10대 소녀들이 여름방학이 시작되는 날 방과 후 집으로 돌아가다가 신나게 바다에서 또래 소년들의 목마를 타고 장난을 한데 이어 사과밭에서 사과를 훔쳐 따다 주인에게 걸려 혼이 난다.
주변에서 이들의 행동을 고발하는 바람에 소녀들은 할머니와 삼촌으로부터 컴퓨터와 셀폰을 빼앗긴 채 가택연금을 당한다. 어쩌다 할머니 감시 하에 마을에 나갈 때도 부대자루 같은 옷을 입고 나간다.
이들의 삼촌은 조카들의 처녀성 상실과 그로 인해 시집을 못 갈지도 모른다는 걱정에 아이들을 병원에 데려가 처녀성 검사까지 시킨다. 그리고 소녀들의 할머니와 삼촌은 장녀 소나이(일라이다 아크도간) 부터 벼락치기로 시집을 보내기로 결정한다. 이런 상황에서 형제애로 똘똘 뭉친 아이들은 자신들을 통제하고 억압하는 체제에 저항하나 전통과 규칙을 고수하는 기성 체제의 조직적 길들이기를 뒤집어 엎기에는 역부족이다.        
둘째도 시집을 가고 5명의 형제가 하나씩 각개 격파가 되면서도 이들은 형제애로 결연히 뭉치나 결국 최후의 수단은 탈출밖에 없다는 것을 깨닫는다. 일종의 감옥 탈출기라고도 하겠는데 그에 따른 긴장감과 스릴이 있다.
굉장히 강렬한 작품으로 아이들에 대한 관찰이 연미에 가득차고 또 주도면밀한데 귀여운 막내 랄레(구네스 센소이)를 비롯해 대부분이 비배우들인 소녀들의 연기가 진짜 야생마들처럼 자유롭고 활력이 넘친다. 바닷가의 마을이 한 폭의 아름다운 그림 같은데 안팎으로 나무랄 데 없이 힘 있고 고운 영화다.
마치 물건을 치우듯이 어린 소녀들을 강제로 시집을 보내 처리하는 영화의 내용은 요즘에도 보수적인 국가에서 얼마든지 일어나고 있는 일이어서 현실감과 함께 거의 공포감마저 느끼게 된다. PG-13. 로열(310-478-3836). ★★★★★(5개만점)
                                                          <한국일보 박흥진 편집위원/ hjpark1230@gmail.com>

허영의 산물

지난 13일에 개봉된 할리웃의 수퍼스타 앤젤리나 졸리 핏(40)이 제작과 감독을 하고 또 각본을 쓰고 주연까지 한 ‘바닷가에서’(By the Sea)가 비평가들의 혹평과 함께 흥행에서 참패하면서 지금 할리웃에서는 ‘스타와의 관계유지용 영화’에 대한 회의론이 나돌고 있다.
‘스타와의 관계유지용 영화’라는 것은 스튜디오가 수퍼스타들과의 관계를 유지하기 위해 흥행성이 희박한 아트하우스 스타일 영화인데도 스타들이 원해 만드는 영화를 말한다. 이를 ‘개인의 열정의 작품’이요 ‘특혜 영화’라고도 부르는데 비평가들은 ‘허영의 산물’이라고 일컫는다.
졸리 핏의 남편 브래드 핏이 공연하는 ‘바닷가에서’는 부부문제를 다른 유럽풍의 영화로 보잘 것 없는 평과 관객의 외면으로 영화를 배급한 워너 브라더스는 4,000만달러의 손해를 보게 됐다.
이 영화와 비슷한 때에 개봉된 샌드라 불락이 주연하고 조지 클루니가 제작한 정치 풍자영화 ‘우리의 상표는 위기’도 ‘스타와의 관계유지용 영화’로 이 역시 비평가들과 관객 모두로부터 철저히 외면을 당했다. 이로 인해 배급사인 소니도 막대한 손실을 입게 됐다. 그래서 지금 할리웃에선 이들 영화에 대한 자금투자의 타당성을 놓고 검소란 모르는 스튜디오들이 절약을 생각하고 있다고 연예 전문지들이 보도했다.
‘바닷가에서’는 졸리 핏의 세 번째 감독 작품으로 졸리는 최근 인터뷰에서 “모든 부부에게 살면서 큰 시련이 있을지라도 그것을 견디어 내면서 끝까지 함께 있으라는 메시지를 주기 위해 영화를 만들었다”고 말했다. 그녀는 이어 “관객들이 영화를 본 뒤 얘기를 나눌 수 있기를 바란다”면서 “나는 관객들에게 기쁨을 줄 수 있는 영화를 만들려고 노력한다”고 덧붙였다.
큰 키에 긴 갈색머리 그리고 큰 눈과 탐스럽게 두툼한 입술을 한 졸리는 해골처럼 마르긴 했지만 아름답고 카리스마가 있는 사람이다(사진).
인터뷰에서도 “나는 완전한 나 자신”이라고 말할 정도로 도도하고 위풍당당해 접근하기가 다소 망설여지기까지 하나 진지하고 솔직한 사람이어서 나는 그녀를 배우라기보다 인간으로서 높이 평가하고 있다. 그녀가 인본주의자로서 유엔 특별대사로 전 세계를 돌며 난민보호와 환경보호를 위해 활동하는 것도 찬양할 만한 일이다.
졸리 핏은 절제수술하고 인공유방으로 대체한 자신의 건강문제에 대해서도 솔직히 얘기했다. 영화의 욕조 속 유방노출 장면에 대해 그녀는 “처음에는 잠시 망설였으나 수술을 받고도 유방을 지닐 수 있으며 그것이 약간 다르게 느껴지긴 하나 여전히 여자라는 느낌을 가질 수 있다는 것을 보여주기 위해 숨길 필요가 없다고 생각했다”고 말했다. 그녀는 “허점과 상처야말로 인간적인 아름다움”이라고 덧붙였다.
졸리 핏은 또 나이에 대해서도 솔직했다. 그녀는 “난 이제 40이 되었는데 50과 60이 되는 것은 행복하다”면서 “나는 늙는 것을 좋아한다”고 말했다. 졸리 핏은 남편 브래드를 아주 매력적인 남자라고 추켜세웠다. 그녀는 “다른 여자들도 남편을 보고 매력적이라고 느낄 줄 아나 난 내 아이들의 아버지요 나의 절친한 친구인 그를 전적으로 신뢰한다”고 힘주어 말했다.    
그녀는 이어 “나는 그를 무척 사랑한다”면서 “우리도 영화 속의 부부처럼 문제도 있고 싸우기도 하나 문제가 있으면 미루지 않고 신속히 해결하려고 노력하며 또 서로 많은 대화를 통해 문제를 풀어나간다”고 말했다.
졸리 핏은 브래드와의 10년간의 삶을 통해 배운 원만한 관계유지의 비결은 “타협과 함께 강하게 나 자신을 지키면서 상대방이 최고가 되도록 돕는 것”이라면서 “둘이 공동목표를 가지고 아울러 상대의 뜻을 바꾸도록 무리한 요구를 하지 않는 것도 관계유지의 비결”이라고 덧붙였다.
졸리 핏에게 있어 브래드보다 더 중요한 것은 6명의 자녀들이다. 그녀는 “무조건 아이들이 먼저”라면서 “난 아이들과 함께 있는 시간을 많이 빼앗기거나 그들을 불편하게 만들게 된다면 결코 일을 안 한다”고 강조했다. 그래서 큰 아이들 셋은 졸리 핏이 촬영할 때면 세트에서 함께 일한다고.
‘바닷가에서’는 실패했지만 졸리 핏은 감독을 계속할 것이다. 그녀는 “나는 감독하는 일을 사랑한다”면서 “내가 좋아하는 것은 역사와 전쟁영화로 나는 지금 캄보디아에서 크메르루주의 양민 대학살 사건을 다룬 영화를 만들고 있다”고 알려줬다. 그녀의 감독 데뷔작은 보스니아전쟁을 그린 ‘피와 꿀의 땅에서’(2011)이고 두 번째 것은 태평양전쟁을 다룬 ‘언브로큰’(2014)이다.
그녀는 감독이라는 일에 대해 “‘바닷가에서’ 처음으로 배우인 나 자신을 내가 감독하는 일이 가장 어려웠다”면서 “그러나 남편을 감독하는 것은 재미있었다”며 웃었다. 영화를 만들면서 가장 즐거웠던 일은 브래드와 정식 결혼 후 사흘 만에 말타에서 영화를 찍어 최고의 신혼여행을 한 기분이었다고. 앤젤리나 졸리와 브래드 핏은 10년 전 스파이 스릴러 ‘미스터 앤 미시즈 스미스’에 공연하면서 사랑이 싹텄었다. 졸리 핏의 다음 영화의 성공을 빈다.  
                                                              <한국일보 박흥진 편집위원/ hjpark1230@gmail.com>

‘캐롤’(Carol)의 케이트 블랜쳇

“사랑은 위험하나 밧줄 달린 번지점프 같아”

동성애자의 이성과 결혼은 남에게 고통주려함은 아닐 것
모든 조직·유기체처럼 교회도 변하지 않으면 멸종될 수도

20일 개봉되는‘캐롤’(Carol-영화평 참조)에서 젊은 여자와 정열적인 동성애를 불사르는 중년의 가정주부 캐롤로 나오는 오스카 주연상 수상자(블루 재스민)인 케이트 블랜쳇(46)과의 인터뷰가 지난 13일 베벌리힐스의 포시즌스 호텔에서 있었다. 짙은 푸른색의 화사한 드레스를 입고 만면에 미소를 지으면서 인터뷰에 응한 블랜쳇은 홍조를 띤 백색얼굴에 긴 금발을 늘어뜨린 미인이었는데 아름다우면서도 눈초리가 매서워 위압적인 분위기마저 느꼈다.  두 손으로 제스처를 쓰다가 또 손으로 턱을 받쳤다가 하면서 여우같은 모습의 표정 연기까지 동원해 질문에 길고 상세하게 대답을 했는데 매우 지적인 여자라는 인상을 받았다. 블랜쳇은 캐롤 역으로 오스카 주연상 후보에 오를 가능성이 점쳐지고 있다.        

-이 영화는 1950년대로선 굉장히 과감한 소설인 패트리샤 하이스미스의 ‘소금의 값’이 원작인데 당신은 영화에 나오면서 어떤 느낌을 가졌었는지.

“당시로선 혁명적인 소설이었다. 난 패트리샤 하이스미스의 팬으로 책은 미학적으로나 심리적으로 1950년대에 강렬한 조명을 비추고 있다. 핵가족시대요 소비시대였던 당시의 모습을 영화에서도 잘 볼 수가 있을 것이다. 영화가 감정적으로나 물리적으로 폐쇄적이고 질식할 것만 같은 이유도 거기에 있다. 1950년대 자란 나로서도 매우 다른 렌즈로 그 당시를 들여다보는 경험이었다.”

-시상시즌이 왔다. 당신은 이 영화와 함께 CBS-TV의 댄 래더 오보사건을 다룬 ‘진실’(Truth)에서의 제작자 역으로 모두 오스카 주연상 후보에 오를지도 모른다는 얘기가 나돌고 있다. 그에 대해 어떻게 생각하는가.

“그 말 큰 칭찬으로 받아들이겠다. 내가 특히 자랑스러운 것은 내가 관여하고 있는 제작사 더티 필름스가 이 두 영화에 모두 참여를 했다는 것이다. 그래서 난 아주 자랑스러운데 유감인 것은 두 영화가 거의 동시에 개봉된 일이다. 그러나 두 영화는 내용이 완전히 달라 서로 공존할 수 있다고 본다. 난 예전과 마찬가지로 시상시즌의 절차에 대해 아는 바가 없다. 그런 것은 아이폰 세대들이 더 잘 알 것이다. 그러나 나도 어차피 그 같은 과정에 동참하지 않을 수가 없다는 것도 안다.”

-크리스마스를 어떻게 보내는가.

“난 크리스마스 샤핑을 생각하면 공포에 질리곤 한다. 크리스마스도 좋지만 우린 땡스기빙을 더 즐긴다. 나의 아버지가 미국 사람이어서(어머니는 호주인) 기족이 함께 모이는 땡스기빙을 중요하게 여기는 것 같다. 지난해 크리스마스 때는 엄청나게 큰 크리스마스트리를 마련했었다. 그리고 온 가족이 베니스를 비롯해 유럽여행을 했다. 야단스럽지 않은 크리스마스로 아이들이 주가 돼 축하를 한다.”

-사랑은 집념이라고 생각하는가.

“사랑에는 여러 타입이 있다고 본다. 사랑이 오래 가려면 이런 다른 타입을 다 경험해야 한다고 생각한다. 캐롤이 사랑하는 테레즈를 정열적으로 집념하면서도 놓아준 것도 이런 타입이 다른 사랑의 행위다. 둘이 모텔에서 마침내 사랑의 행위를 할 때도 그 것은 집념의 행위라기보다 누가 인도하고 누가 따르는 대신 함께 매여 공존하는 행위여서 아름답다. 사랑은 동시에 이타적이요 또 이기적인 것이라고 생각한다.”

연인 테레즈(왼쪽) 앞에서 딸을 잃게 된 캐롤이 울고 있다.

-당신은 동성애자이면서도 결혼을 해 결국 희생되는 사람은 가정을 지키려는 남편이다. 이런 일은 요즘에도 일어나는데 당신의 이에 대한 견해는.

“캐롤의 사랑이 불법이며 변태로 여겨지니 다른 방법이 없다고 본다. 옛날보다는 많이 나아졌으나 요즘에도 동성애자들은 이성애자들과는 달리 자기 성애의 기호여부를 밝히고 얘기해야 한다는 부담을 안고 있다. 내성적이요 매우 사적인 캐롤은 남편 하지와 결혼해 그 것을 유지해 보려고 애썼지만 실패했다. 둘 간에는 사랑이 있었다. 그래서 캐롤은 하지에게 우리 모두 진짜로 노력했지만 성공하지 못했다고 말한 것이다. 아직도 동성애자들에 대한 편견과 차별은 있다. 그들은 자기 나름대로 살 권리가 있는 대도 말이다. 우리나라(호주)도 아직 동성결혼을 인정하지 않는다.” 

-동성애자가 이성애자와 결혼하는 것을 어떻게 보는가.

“사람마다 다른 여러 이유가 있을 것이다. 자기 부모를 실망시키지 않으려고 그럴 수도 있고 또 자신이 동성애자라는 것이 불편해서도 그럴 수가 있을 것이다. 그러나 그들이 꼭 남에게 고통을 주기 위해서 그런다고 생각하진 않는다.”

-당신은 현재 두 개의 다른 영화에 나오고 있는데 둘은 얼마나 서로 다른가.

“완전히 다르다. 얘기도 다를 뿐 아니라 인물들의 성격 개발의 리듬도 다르다. 따라서 그 둘의 심장의 박동도 내겐 다르게 느껴진다. 가장 중요한 것은 감독들이 세트에서 아주 다른 분위기를 조성한 사실이다. 그래서 난 각기 다른 세상으로 들어갈 때 아주 기뻤다. 두 세상이 너무 달랐고 또 영화제작 스타일도 서로 아주 틀렸기 때문이다.”

-당신이 처음으로 사랑했을 때와 지금을 비교하면 당신의 사랑이 어떻게 변했다고 보는가.

“난 아주 알맞은 때에 내 영혼의 동반자를 만난 행운아다. 우린 그 때 둘이 같이 물불 안 가리고 서로에게 뛰어들었다. 우리의 관계가 훌륭한 것은 우리가 서로 상대의 이해 관심사를 마음에 두고 있기 때문이다. 우린 경쟁하는 것이 아니라 서로를 칭찬하고 격려하고 있다. 우리에게 있어 변하지 않는 것은 서로에 대한 존경과 부드러움을 간직하고 있다는 것인데 이와 함께 유머감각도 사랑 유지에 중요한 구실을 하고 있다. 나는 내 남편이 나를 웃길 때마다 매번 다시 그에게 사랑에 빠지는 기분이다. 사랑은 번지점프 같은 것으로 위험한 것이나 밧줄이 당신을 지탱해 주길 바라는 것과도 같다.”

-자라면서 당신에게 큰 영향을 준 영화는 무엇인가.

“제나 롤랜즈(얼마 전 아카데미 명예상인 가버너즈상을 받았다)가 나온 ‘우먼 언더 디 인풀루언스’이다. 그렇게 생살처럼 노골적이요 사실적이며 또 공개적인 영화와 연기를 본 것은 그 것이 처음이다. 마치 영화 속 롤랜즈의 삶이 내게 일어나는 것 같은 경험을 했다. 영화를 보면서 완전히 나에 대한 통제력을 잃고 흥분했었다.”

-크리스마스 선물 중 가장 좋았던 것은 무엇인가.

“난 늘 아이들에게 너희들이 너무 좋아해 남에게 주기 싫은 것을 크리스마스 선물로 주라고 이른다. 캐서린 헵번의 질녀가 준 헵번의 장갑을 아끼고 결혼 15년 후 시어머니가 준 그녀의 약혼반지도 귀중하다. 난 결혼하는 내 친구에게 내가 아끼는 보석을 주었는데 이렇듯이 나는 상점에 가서 물건을 사기보다 내가 떨어지기 싫은 것과 떨어지면서 선사한다. 선물로 받은 것 중에 싫었던 것은 결혼 후 몇 년간 남편이 준 진공청소기와 믹서와 다리미이다.”

-새로 영화계에 뛰어드는 사람들에게 해줄 충고는 무엇인가.

“배우로서의 성공은 ‘예스’하는 것만큼이나 ‘노’하는 데도 달려 있다. 일은 진지하게 생각하되 자신은 너무 심각하게 생각하지 말라는 것이다.”

-어렸을 때 애독한 책은 무엇인가.

“난 탐정소설을 좋아해 ‘낸시 드루’의 팬이었다. 내게 큰 영향을 준 책은 ‘투 킬 어 목킹버드’이다. 나 책 냄새 맡기를 좋아했다.”

                                                          

-당신은 캐롤처럼 우아한데 그것은 타고 난 것인가.

“난 늘 나를 모양을 낼 줄 모르는 여자라고 여기고 또 우아하지도 않다고 생각하는데 그 말 고맙다.

-바티칸은 여전히 동성애를 비난하는데 당신은 교회가 변하리라고 보는가.

“어떤 조직이나 유기체나 변하지 않으면 멸종되게 마련이다. 모든 것은 진화하게 돼 있다. 따라서 교회도 진화하지 않으면 멸종되리라고 본다. 지금 교황인 프랜시스는 과거 교황들과는 매우 다른 데가 많아 교회도 과거로부터 큰 출발을 할지도 모른다.”

                                                      <한국일보 박흥진 편집위원/ hjpark1230@gmail.com>

                    

캐롤(Carol)

캐롤(오른쪽)이 백화점에서 테레즈로부터 물건을 사면서 눈을 맞추고 있다.

1950년대 두 여인의 사랑 절제 있게 그려

1950년대 초 중년의 가정주부와 젊은 백화점 여점원 간의 사랑을 그린 향수감 짙은 잘 만든 드라마로 소설 ‘기차 안의 낯선 사람들’과 ‘재주꾼 미스터 리플리’를 쓴 여류작가 패트리샤 하이스미스의 ‘소금의 값’(The Price of Salt)이 원작이다.  

두 연인이 만나 사랑하면서 희열하고 이어 다투면서 울고불고하다가 헤어진 뒤 심한 가슴앓이 끝에 재회한다는 사랑 영화의 공식적 틀을 그대로 따라가 얘기는 단순하나 두 주인공의 연기가 눈부시다. 

아름답고 지적이며 또 감수성 있으며 기능적으로도 우수한 작품인데 지나치게 조심을 하면서 마치 연애소설이라기보다 학술 논문을 쓰듯이 딱딱하고 주도면밀한 것이 영화의 깊은 풍미를 제대로 느끼는데 방해가 되고 있다. 

피가 끓는 사랑의 영화에 대한 기대를 충족시켜 주기에는 분위기가 다소 차고 경직됐다. 그러나 지적인 흥미와 관심과 함께 50년대 초의 미국의 모습과 풍습 그리고 당시의 동성애에 대한 인식 등을 관찰할 수 있는 고급 드라마다.

영화는 회상식으로 서술된다. 1952~53년 크리스마스/신년 할러데이 기간. 뉴저지주에 사는 상류층 여인 캐롤(케이트 블랜쳇)은 점심을 먹으러 맨해턴에 왔다가 백화점 양품부에 들른다. 여기서 캐롤은 젊고 아름답게 생긴 사진작가 지망생인 테레즈(루니 마라)를 보고 마음이 가는데 테레즈도 캐롤에게 야릇한 관심을 느낀다. 테레즈에게는 자기를 따르는 남자들이 있지만 캐롤은 이들과 본격적인 이성관계를 맺지는 않는다.

한편 캐롤은 물건을 산 뒤 진열대 위에 자신의 가죽장갑을 남겨놓고 가는데 일부러 남긴 것인지 아니면 모르고 그랬는지는 모르겠지만 테레즈가 이 장갑을 캐롤을 찾아가 전달하면서 둘의 관계가 시작된다.

그런데 캐롤은 자기 어린 딸의 대모이자 절친한 친구인 애비(새라 폴슨)와 동성애 관계를 가진 것 때문에 남편 하지(카일 챈들러)로부터 이혼소송을 당한 생태다. 그래서 캐롤의 테레즈에 대한 열정은 잘못하면 캐롤의 딸에 대한 양육권은 물론이요 방문권마저 박탈당할 재앙을 초래할 가능성이 있다. 

그러나 뜨거운 사랑을 참지 못한 캐롤은 남편과 딸이 며칠 집을 비운 사이 테레즈에게 서부 기차여행을 청하고 테레즈도 이에 응한다. 얘기가 여기까지 오는데 근 1시간이 걸리는데 영화의 진행속도가 매우 느리다. 그리고 둘은 아이오와주 워털루의 작은 모텔에 들면서 비로소 뜨거운 육체의 기쁨을 누린다. 두 주인공의 상반신 나체와 사랑의 행위가 매우 품위 있고 아름답게 묘사됐다.

집요한 하지의 추적으로 캐롤과 테레즈의 관계가 드러나면서 캐롤은 딸을 잃게 될 위기에 처하게 되자 테레즈에게 이별을 고한다. 그리고 세월은 몇 년이 지나 영화의 첫 장면으로 돌아간다. 블랜쳇의 안으로 파고드는 강렬한 연기와 마라의 연약한 듯 하면서도 강인하고 변화무쌍한 연기가 일품이다. 촬영과 의상과 옛날을 잘 재현한 프로덕션 디자인 및 조 스태포드의 노래 등 흘러간 팝송을 잘 이용한 음악도 아주 좋다. R. Weinstein. 일부지역.  ★★★½(5개 만점)
                                                           <한국일보 박흥진 편집위원/ hjpark1230@gmail.com>

확인하라!

지금 LA에서는 언론에 관한 2편의 영화가 상영되고 있다. 먼저 개봉된 영화는 소위 ‘래더게이트’라 불리는 CBS-TV의 앵커맨 댄 래더의 부시의 병역문제를 둘러싼 오보를 다룬 ‘진실’(Truth)이다.
래더는 미 대통령 선거 2개월 전인 지난 2004년 9월8일 시사프로 ‘60분’을 통해 당시 대통령이었던 조지 W. 부시가 과거 특혜를 이용, 텍사스주 공군방위군에 입대한 뒤 근무지를 이탈하면서 군인으로서의 의무를 제대로 준수하지 않았다고 보도했다.
그러나 이 보도의 근거가 된 문서가 가짜임이 밝혀지면서 래더는 사임하고 프로의 제작자인 메리 메입스는 해고를 당했다. 진실보도가 허위보도가 된 셈인데 래더는 지금까지도 비록 문서는 가짜이나 부시의 근무 태만은 사실이라고 주장하고 있다.
영화에서 래더로는 로버트 레드포드가 메입스로는 케이트 블랜쳇이 나오는데 잘 만든 재미있는 작품이나 지나치게 래더 편을 들고 있는 느낌이다. 대통령 선거전이 가열되고 있는 요즘 보면 딱 알맞을 영화다.
이어 얼마 전에 개봉된 ‘스팟라이트’(Spotlight)는 2002년 막강한 보스턴 천주교 교구 내 신부들의 아동 성추행을 보도한 보스턴 글로브지의 기자들의 취재를 다룬 튼튼한 드라마다. 신문사 내 4명으로 구성된 심층조사 보도팀인 ‘스팟라이트’(사진)가 6개월에 걸친 취재 끝에 교구 내 90여명의 신부들의 아동 성추행을 교회가 알고서도 조직적으로 은폐한 사실을 보도해 퓰리처상을 받았다.
이로 인해 LA를 비롯한 전 미국 내 천주교 신부들의 아동 성추행과 전 세계적으로 만연한 신부들의 섹스 스캔들이 폭로되면서 천주교는 지금까지 문제수습에 무려 30억달러를 써야 했다.
취재팀의 팀장으로 마이클 키튼이 나오고 마크 러팔로와 레이철 맥애담스 등이 취재기자들로 나오는 앙상블 캐스트 영화로 마치 수사영화를 보듯이 긴장감과 스릴이 있는데 배우를 비롯해 작품이 오스카상 후보에 오를 기능성이 크다.
‘래더게이트’의 원인은 보도의 소스 진위여부를 100% 확인하지 않았기 때문이다. 보도팀이 문제의 문서의 진위여부를 놓고 필적 감정사까지 고용해 99%의 확인 작업을 한다. 그러나 마감날짜에 쫓기면서 부시를 잡겠다는 욕심으로 인해 100%의 확인 없이 보도, 래더는 TV를 통해 공개사과를 하고 방송인으로서의 생명도 끝이 났다. 그러니까 1%의 확인 불이행 때문에 일어난 희대의 오보사건이었다.
‘스팟라이트’에서도 이런 확인 작업이 자세히 묘사된다. 취재팀이 신부들에게 성추행을 당한 희생자들을 일일이 찾아다니면서 사실여부를 묻는 모습과 함께 시끌벅적한 편집국 내 풍경이 매우 생생하게 그려졌다.
난 이 영화를 보면서 과거 한국에서의 내 기자시절이 생각나 감개가 무량했다. 내가 한국일보의 졸병기자였을 때 후에 주불 특파원을 지낸 김승웅 선배를 비롯한 고참들로부터 귀가 따가울 정도로 들은 것이 ‘100% 확인’이었다. 기사를 써 데스크에 넘기면 기사를 손보던 데스크들이 매번 묻는 말이 “야, 박흥진 너 이거 확인한 것 맞지”였다. 그래서 확인은 그 뒤로 나의 좌우명이 되었고 후에 내가 미주 한국일보에 와 데스크 노릇을 하면서 신참 기자들에게 가르친 첫 말도 ‘100% 확인’이었다.
그런데 나는 이 확인을 게을리 하다가 오보를 낸 적이 더러 있다. 글을 쓰면서 어딘가 찜찜한 부분이 있으면 꼭 확인을 해야 하는데도 게으름을 피우면서 이를 어물쩍 넘기다 보면 반드시 탈이 나게 마련이다. 독자로부터 오보에 대한 신랄한 비판을 받으면서 등에 식은땀이 흐른 적이 있다.
그래서 나는 좋은 기자가 되는 자격 중 하나가 ‘100% 확인’이라고 생각한다. 그밖에 또 다른 자격을 과연 ‘스팟라이트’의 팀장 역의 키튼은 무엇이라고 생각할까 해서 며칠 전 그를 인터뷰했을 때 물었다.
키튼은 이에 대뜸 “완전무결”이라고 대답했다. 기자라는 인격체의 완전무결을 의미하는 듯했다. 이어 그는 파고들어 사실을 캐내고 중립을 지키는 것이라고 덧붙였다. 내가 이에 “집요성은 어떻게 생각하는가”라고 물었더니 키튼은 “그것도 맞다”고 말했다.
내가 ‘확인’과 ‘집요성’ 이외에 생각하는 좋은 기자로서의 자격요건들은 ‘불의를 의롭게 하겠다는 결의’와 ‘억눌리고 가난한 사람들에 대한 연민’이다. 나는 이런 뜻을 품고 기자가 되었지만 과연 그 뜻을 얼마나 실천으로 옮겼는지는 의문이다.
‘진실’과 ‘스팟라이트’는 언론매체가 인터넷화 하는 요즘에 보면 향수감을 불러일으키는 ‘구식 언론’의 모습이다. 특히 요즘 젊은이들은 종이신문을 외면해 신문사들이 문을 닫고 최근 오렌지카운티 레지스터처럼 파산신청을 하거나 기자를 비롯한 직원들이 대량 해고를 당하고 있는 것이 현실이다. 40여년을 기자생활을 해온 나로선 이런 소식을 들을 때마다 남의 일 같지가 않아 가슴 한 구석이 허전해지곤 한다.              
                                                                <한국일보 박흥진 편집위원/ hjpark1230@gmail.com>

바닷가에서(By the Sea)

바네사가 남편 롤랜드의 품에 안겨 고통과 슬픔을 앓고 있다.

졸리와 핏의 권태로운 얘기 지루하게 담아

순전히 앤젤리나 졸리 핏의 허영의 산물로 수퍼스타인 그녀의 이름 때문에 유니버설사가 마지못해 만들었음에 분명하다. 얘기 결핍증에 걸린 재미라곤 전연 없는 영화로 2시간이 넘도록 영화에 아무 일도 안 일어난다. 

짙은 화장을 한 앤젤리나가 공연히 폼을 잡고 심각한 표정을 짓는 지루하기 짝이 없는 영화로 그녀는 영화 내내 줄담배를 타우면서 죽을상을 해 보고 있자니 속이 답답하고 육신이 불편해 영화가 끝나면서 해방의 기쁨을 누렸다.

앤젤리나의 세 번째 감독 영화로 감독 외에도 각본도 쓰고 제작도 하고 또 주연도 하면서 1인4역을 하고 있는 사이비 예술영화로 지난해에 나온 ‘언브로큰’을 비롯한 그녀의 연출솜씨는 잘 해야 65점 정도다. 

브래드 핏과 앤젤리나 졸리 핏이 무슨 문제가 있는 부부로 나와 영화 내내 담배 태우고 술 마시고 침울한 표정을 지으면서 ‘피핑 탐’ 짓으로 무료를 달래다가 끝이 나는 극적으로 처음부터 사망한 영화로 얘기가 흐름이 없이 고여 상한 냄새가 난다. 

유럽 영화 흉내를 낸 이 작품은 특히 현대의 남녀 간의 무료와 무관심과 권태와 고독을 잘 다룬 이탈리아의 미켈란젤로 안토니오니의 ‘고독 3부작'(라벤투라, 밤, 일식)을 연상케 하나 이들과 비교할 바가 못 된다. 

1970년대로 생각되는 어느 여름 작가인 롤랜드(브래드 핏)와 댄서 출신의 바네사(앤젤리나 졸리 핏)가 빨간 컨버터블 시트로앙을 타고 프랑스의 한 한적한 해변마을에 찾아와 호텔에 짐을 푼다. 그리고 즉시 바네사는 침대에 눕고 롤랜드는 바닷가에서 홀아비 미셸(닐스 알스트룹)이 경영하는 카페에 들러 대낮부터 술을 마신다. 롤랜드와 바네사는 영화 내내 밥은 거의 안 먹고 담배 태우고 술만 마시는데 그러고도 어떻게 생존할 수 있는지 알다가도 모를 일.

롤랜드는 글이 안 써져 끽연에 음주를 계속하고 바네사는 역시 흡연과 음주를 하면서 베란다에서 바다를 바라보며 침통한 표정을 짓는데 가끔 남편한테 한다는 소리가 설익은 철학용어다. 바네사의 모양이 좀비 같은데 그녀의 우울증 이유가 영화 끝에 가서 서두르듯이 얘기된다. 매우 미숙한 처리다. 

이런 두 사람의 소통 부재와 권태와 무료는 둘이 벽에 난 구멍을 통해 옆방에 든 젊은 신혼부부 레아(멜라니 로랑)와 프랑솨(멜빌 푸포)의 잦은 섹스를 훔쳐보면서 변태적인 위로를 받지만 이 같은 플롯은 바네사의 고뇌하는 심리와 아무 연관을 맺지 못한다.

졸리 핏이 큰 인공유방을 노출하면서 열심히 연기하나 그것은 마치 모델이 카메라 앞에서 포즈를 취하는 것 같아 가슴에서 스며나오는 진실성이 느껴지지 않는다. 그런데 도대체 엄청나게 아픈 심적 질병을 앓는 여자가 왜 그렇게 시종일관 짙은 화장을 하고 있는 것일까. 브래드 핏의 연기도 심심하다. 음악(게이브리엘 야렐)과 촬영은 좋다. R. 일부지역.  ★★(5개 만점)
                                                           <한국일보 박흥진 편집위원/ hjpark1230@gmail.com>

33

마리오(가운데)와 광부들이 구출되기를 초조히 기다리고 있다.

지하에 매몰된 33명의 광부 구출기

2010년 칠레에서 일어난 33명의 지하에 매몰된 광부들의 극적 구출을 그린 영화인데 인물 묘사나 얘기가 지나치게 공식적이어서 큰 긴장감이나 흥분감이 제대로 느껴지지 않는다. 극적인 드라마를 폭이 크고 넓게 묘사하는 대신 잔소리하는 식으로 진행하고 있는데다가 주요 인물들도 깊이 있게 다뤘다기보다는 피상적이요 간추리는 식으로 처리했다.

보고 즐길 만은 하지만 생존의지 하나로 2달여를 지하에서 견디다가 구출되는 광부들의 서스펜스와 스릴 그리고 박진감이 가득한 내용이 과감하지 못하고 무사안일하게 그려져 맥이 빠진다. 특히 워너 브라더스가 만든 이 영화는 세계시장에 판매하기 위해 칠레 사람들로 여러 명의 국제적 스타를 기용한데다가 대사도 영어여서 보고 듣기가 어색하다. 

그 중에서도 가장 보기 딱한 것은 프랑스 스타 쥘리엣 비노쉬를 거리에서 음식을 들고 다니면서 파는 가난한 칠레 여인으로 캐스팅한 것. 그리고 단역인 칠레 대통령도 미국 배우이고 바브라 스트라이샌드의 남편인 제임스 브롤린까지 구출요원 캐미오로 썼다.        

영화는 지하 2,300피트에 갇힌 광부들을 구출하기 위해 지상에서 굴착전문가 안드레(게이브리엘 번)가 이끄는 구조팀의 활동과 함께 광부들의 가족들이 광산 인근에 임시 마을을 형성하는 장면으로 시작된다. 얘기는 지하와 지상을 오락가락하면서 진행되는데 매몰된 광부들의 리더인 마리오(안토니오 반데라스)를 주인공으로 서술된다. 마리오는 탁월한 통솔력과 넓은 인간성으로 깡통식량을 고루 배분하고 절망에 처한 광부들 간의 분쟁과 폭력을 다스린다.    

광부 매몰사건 후 10여일쯤 지나 구조팀에 의해 광부들이 있는 곳까지 작은 구멍이 뚫어져 지상과 지하 간에 쪽지로 의사가 소통되고 우주식량이 전달되나 엄청나게 두껍고 큰 돌이 장애가 돼 구출작전이 지연된다. 

그리고 전 세계에서 뉴스팀이 이 곳에 와 구출뉴스를 시시각각 보도하면서 칠레의 사막에 있는 광산이 삽시간에 세계적인 뉴스의 초점이 된다. 이런 내용은 빌리 와일더가 감독하고 커크더글러스가 주연한 지하에 매몰된 사람을 구출하는 잘 만든 드라마 ‘에이스 인 더 호울’(Ace in the Hole 1951)을 연상케 한다. 

33명의 광부들 중 마리오를 제외한 5~6명의 인물들이 그나마 단편적으로 묘사되면서 마리오의 역을 보조하지만 장식과도 같은 것이어서 깊이나 폭은 모자란다. 여류 패트리시아 리겐 감독. PG-13. 전지역.  ★★★(5개 만점)   <한국일보 박흥진 편집위원/ hjpark1230@gmail.com>

‘모비-딕’

우리는 모두 자기 안의 악마와 싸워야 하는 운명을 지니고 태어났다. 인생의 궁극적 목표가 자기 구제일진대 이 구제는 자신 속의 악마와의 싸움이 있고 나서야 해결될 수 있을 것이다. 포경선 피쿼드의 에이해브 선장과 백경 모비-딕과의 치열한 대결도 에이해브의 자기 구제를 위한 영혼의 투쟁이라고 볼 수 있다.
나는 허만 멜빌이 쓴 미국의 성경이요 신화라고 불리는 ‘모비-딕’(Moby-Dick)의 영문판을 대학생 때 읽기 시작했다가 분량이 너무 방대하고 또 내용이 형이상학적이요 어려워 중도에 책을 접고 말았다. 며칠 전 필라델피아에서 ‘록키’의 부산물인 권투영화 ‘크리드’(Creed·26일 개봉)에 나오는 실베스터 스탤론을 인터뷰했는데 그도 ‘모비-딕’을 다 읽는데 장구한 시간이 걸렸다고 고백했다.
그래서 내가 아는 ‘모비-딕’의 얘기는 중학생 때 경남극장에서 본 ‘백경’(1956)을 통해서다. 존 휴스턴이 감독하고 그레고리 펙이 에이해브로 나온 이 영화는 연출과 연기 등이 다소 과장되긴 했으나 흥미진진한 모험영화다. 펙이 고래 뼈로 만든 다리를 짚고 다니면서 자기 다리를 물어 뜯어버린 모비-딕에게 복수하려고 광인이 되다시피 해 바다를 항해하는 모습이 극적이다. 그의 이런 모습은 후에 ‘조스’에서 식인상어 조스를 잡으려고 혈안이 된 퀸트(로버트 쇼)를 생각나게 한다.
‘모비-딕’은 또 인간의 집념이 불러오는 재앙에 대한 경고문이기도 하다. 에이해브는 자신의 집념을 풀기 위해선 신에게마저 대어드는데 문학 비평가들은 모비-딕을 신이요 자연이며 또 운명이라고도 해석한다.
에이해브의 이런 반-신적 행동과 언사는 지난 7일 본 LA 오페라가 공연한 ‘모비-딕’(사진)에서도 여실히 드러났다. 독재자 에이해브는 자기가 종들처럼 부리는 선원들 앞에서 “그것이 날 모욕한다면 나는 태양이라도 때려 부수겠다”고 호언장담을 한다.
에이해브는 자기가 마치 신처럼 행세하는 선동가로 부질 없는 허영이나(젊은 선원 그린혼이 이렇게 노래한다) 다름없는 집념 때문에 결국 자신을 비롯한 선원들과 배에 죽음과 파괴를 불러 오는데 유일한 생존자는 순수와 순진을 상징하는 그린혼(소설에서는 이쉬매엘). ‘모비-딕’은 이처럼 다분히 신앙적 색채도 품고 있다.
신에게 거역하면서 백경과 싸우다 죽은 에이해브를 생각하면 신의 지시를 어긴 탓으로 고래 뱃속에 들어갔다가 회개하고 구출된 요나가 떠오르는 것도 그래서이다.
오페라 ‘데드 맨 워킹’을 작곡한 제이크 헤기가 작곡하고 진 쉬어가 대사를 쓴 2막짜리 오페라(공연시간 3시간) ‘모비-딕’은 현대음악치고는 멜로디가 상당히 다채롭다. 특히 바다의 정령들의 맑은 울음소리 같은 아름답고 서정적인 멜로디로 시작해 바다의 거센 물결과 선원들과 백경과의 사투를 연상시키는 격렬한 리듬으로 이어지는 서곡이 매우 인상적이다.
전체적으로 음악이 장엄하고 강렬하면서도 섬세하고 아름다운데 음들의 씨줄과 날줄들이 절묘하게 직조돼 지루한 줄 모르고 흥미 있게 관람했다. 제임스 콘론이 지휘하는 LA 오페라 오케스트라의 훌륭한 연주를 들으면서 곡의 바그너풍을 느꼈다.
에이해브는 테너 제이 헌트 모리스가 불렀는데 고음일색이었다. 에이해브 역을 바리톤이 불렀으면 어땠을까 하는 생각이 들었다. 독선적인 에이해브에 맞선 양심적인 1등 항해사 스타벅은 바리톤 모간 스미스, 포경선을 처음 탄 그린혼은 테너 조슈아 게레로 그리고 나머지 선원들인 남태평양 태생의 신령한 혼을 지닌 퀴킥은 베이스 바리톤 무사 엔쿤그와나, 에이해브의 시종 핍은 소프라노 재클린 애콜스(오페라에서 유일한 여자)가 각기 맡아 잘 노래했는데 특히 스미스의 노래가 듣기 좋았다.
2010년 4월 달라스 오페라가 초연한 ‘모비-딕’은 음악뿐 아니라 “백금을 바다로부터 거두리라”를 비롯해  대사도 매우 시적이고 심오하다. 이와 함께 뛰어난 것은 큰 돛대가 무대를 군림한 검소하면서도 튼튼한 세트와 밤하늘에 뜬 별들과 대양을 질주하는 피쿼드 그리고 거칠게 몸을 뒤트는 파도 등을 스크린에 투사한 영상처리. 입체감이 압도적이다. 모비-딕은 맨 끝에 거대한 눈이 노려보는 머리가 에이해브를  향해 달려들면서 그 위용을 나타낸다.
소설은 혼자 살아남은 이쉬매엘(그린혼)이 퀴켁이 생전에 자기에게 부탁해 만든 관을 타고 포류하면서 “나를 이쉬매엘이라고 부르세요”라고 말하는 것으로 시작되는데 오페라는 이 말로 끝이 난다.          
한편 멜빌의 ‘모비-딕’의 모델이 된 실제사건을 나사니엘 필브릭이 소설로 쓴 ‘바다의 심장 속에서’(In the Heart of the Sea)를 원전으로 론 하워드가 감독하고 크리스 헴스워드가 주연한 동명영화가 오는 12월11일에 개봉된다. 이 소설의 제목은 오페라에서 노래로 불려진다. 오페라 ‘모비-딕’은 19일, 22일, 28일 3차례 공연이 남아 있다.    
                                           <한국일보 박흥진 편집위원/ hjpark1230@gmail.com>

‘화성인’(The Martian)의 맷 데이먼

“내 아이들도 볼 수 있는 영화라 기뻐”

위험한 상황에 유머를 함께 유지하는 것은 큰 도전

LA는 고독에 빠지기 쉬운 곳, 실직자 일 경우 더 해

리들리 스캇리 감독한 흥미 있고 지적인 우주모험영화‘화성인’(The Martian)에서 동료 우주인들과 함께 화성탐사를 갔다가 달랑 혼자 남게 된 뒤 온갖 기지와 생존술을 동원해 구출 받을 때까지 살아남으려고 애쓰는 우주인 마크 와트니로 나온 맷 데이먼(45)과의 인터뷰가 지난 9월 11일 토론토영화제가 열리는 토론토의 리츠칼튼 호텔에서 있었다. 짧은 머리에 간편한 셔츠 차림의 데이먼은 만면에 미소를 지으면서 질문에 대답했는데 그를 만날 때마다 기분이 좋은 점은 그가 도무지 수퍼스타 티를 내지 않는다는 것. 약간 수줍어하는 미소와 함께 소박하고 정이 가는 태도가 바로 이웃집에 사는 마음 좋은 사람을 만나는 것 같아서 아주 편하다.              

―각본을 읽었을 때 느낀 소감은 무엇이었는가.

“난 어렸을 때 다른 아이들처럼 우주인 노릇하기를 즐겼다. 그러나 내가 각본을 읽었을 때 깊은 인상을 받은 것은 마크의 유머가 있는 성격이었다. 따라서 내가 느낀 도전은 어떻게 하면 원작인 책의 유머와 마크가 처한 위험을 함께 유지하느냐 하는 것이었다. 즉 영화를 흥분감으로 가득 채우면서 아울러 낙천적이요 재미있게 만든다는 도전이었다.”

―마크는 고립과 동거하며 사는 셈인데 당신과 혼자 있는다는 것과의 관계는 어떤가. 

“지금 난 아이가 넷이나 돼 화성에서 시간을 좀 보낼 수 있었으면 좋겠다. 일을 할 때도 우리 가족은 함께 여행한다. 혼자 있었을 때를 찾는다면 내가 LA에서 배우가 되려고 애쓸 때라고 하겠다. LA는 고독을 아주 쉽게 느낄 수가 있는 곳이다. 특히 실직자일 경우는 더 하다.”

―고독의 느낌을 어떻게 다루었는지.

“그냥 마주 대하는 수밖에 없다. 배우로서 그것에 대해 말하자면 지금 할리웃에는 고독에 시달리는 배우들이 엄청나게 많다. 따라서 서로 친구가 돼 하나의 공동체를 형성하는 것이 고독에 대처하는 한 방법이라고 하겠다.”              

―마크는 생존하기 위해 여러 가지를 재활용하는데 당신도 실제로 그런가. 그리고 또 마크는 아주 숫자와 수학에 능한데 당신도 그런 것에 능한지.

“우린 철저히 모든 것을 재활용한다. 이 영화는 지능과 셈에 관한 것이기도 해서 난 각본을 쓴 드루 고다드에게 이 영화는 과학에 바치는 연서라고 말했다. 이 영화는 지능과 용감하면서도 똑똑한 사람들에 대한 찬가이기도 하다. 그래서 난 우리나라가 점점 더 멍청해 가고 있는 요즘 이런 영화를 내놓다는 것은 아주 좋은 일이라고 생각했다. 나와 숫자와의 관계를 말하자면 마크만은 못하나 그런대로 괜찮다. 팁 계산도 잘 한다.”

―당신이 마크라면 동료 우주인들이 당신이 죽은 줄 알고 지구로 귀환한 것이 더 나쁜가 아니면 화성에서 생존하려고 애를 쓰는 것이 더 나쁜가.

“혼자 남게 됐구나 하고 처음에 깨달았을 때가 가장 나쁜 순간이라고 본다. 그 후로는 마크가 아주 치밀하게 문제들을 하나씩 풀어나가고 또 언제나 뭔가 할 일들이 있기 때문에 혼자 있어도 미칠 지경은 아니라고 본다.” 

화성에 혼자 남은 마크는 온갖 지혜를 동원, 생존한다.

―마크는 자신과 동료 우주인들의 인분으로 감자를 재배하는데 당신은 어느 감자요리를 좋아하는가. 그리고 감자 키울 줄 아는가.

“으깬 감자요리다. 추수감사절에도 그걸 먹는다. 이 영화 덕분에 감자 재배법을 배웠다. 촬영장 바로 옆에 감자밭을 만들어놓고 감자를 키웠다.”

―당신의 전신 나체 모습은 대역이 했는데 당신 뜻인가.

“내 뜻이 아니다. 원래는 내가 체중을 감소할 예정이었으나 그렇게 하면 다음 장면을 위해 다시 체중을 늘려야 하기 때문에 제작상 쉬운 일이 아니다. 화성 외부 장면은 요르단에서 찍고 화성의 우주인 거처 장면은 헝가리에서 찍었는데 내 대역은 그래서 헝가리 사람이다. 그러나 난 감독이 허락했다면 나체로 나올 의향이 있다.”

―마크는 영화에서 탐사팀장(제시카 채스테인)이 가져온 디스코 음반을 들으면서 끔찍한 음악이라고 인상을 쓰는데 실제로 당신은 어떤가.

“나도 딱 마크가 좋아하는 만큼만 디스코 음악을 좋아한다. 누가 내게 내가 가장 좋아하는 디스코 노래가 무어냐고 묻는다면 ‘아 윌 서바이브’라고 말하겠다.”  

―리들리 스캇과 일한 경험은 어떤지.

“그는 배우들로 하여금 자기 하고 싶은 대로 하라고 놔두는 감독이다. 그래서 자기 마음에 들면 그것을 키우는 식이다. 그리곤 배우에게 다가가서 ‘거 참 좋은 아이디어다. 아주 잘 했어’라고 말한다. 그러면서도 그는 배우들이 스스로 운전을 하게 하다가 잘못된 길로 들어서게 되면 시정해 주는 감독이다.”

―요즘 같이 로봇이 모든 것을 하는 때에 왜 화성에 로봇을 보내지 않고 인간이 가야 한다고 생각하나.

“탐험정신 때문이다. 그리고 나는 우리 인간들이 언젠가는 지구에서 멸망하지 않기 위해서는 다른 혹성으로 이주해야 한다고 생각한다.”

―이 영화는 어린 아이들도 볼 수 있는 것인데 당신도 그것이 기쁜가.

“그렇다. 내 아이들이 볼 수 있는 영화를 만든 것이 아주 흥분된다. 사실 난 그 동안 아이들이 볼 수 있는 영화를 별로 만들지 않았다.”

―영화를 위해 미 국립항공우주국(NASA)이나 제트추진연구소 직원들에게 자문을 구했는지.

“그들은 기술적인 면에서 큰 도움을 주었다. 책을 쓴 앤디 위어의 기본 착상은 고도로 훈련을 받은 우주인이 과연 혼자 화성에서 살아남을 수가 있는가 하는 것이다. 그리고 그는 그 질문에 대해 과학적으로 대답을 해 나간다. 그들은 인간이 불원 화성에 갈 것이라고 생각하는 것 같았다. 영화에 나오는 인분으로 감자를 재배하는 법과 우주에서 인간의 몸이 받는 영향 등 모든 것에 대해 연구했다. 나는 역을 위해 현재 우주정거장에 6개월 째 체류하고 있는 우주인과 대화를 나누기도 했다.”

―영화에는 많은 기술적 과학적 용어가 있어 잘 이해를 못하겠는데 당신은 다 이해했는지.

“마크는 공기와 음식과 물 등 모든 것에 대해 이해하기 때문에 나도 내가 작업하고 말해야 하는 것은 다 이해했다. 책이 다소 이해하기 힘든 부분도 있으나 보통 사람들도 읽고 이해할 수 있다. 나도 사실 NASA 직원들의 전문용어는 이해하기 쉽지가 않았다. 그러나 그것이 로켓과학자들의 용어인 만큼 별 수 없지 않은가.”

―학교 다닐 때 과학 성적이 어땠는지.

“난 좋은 과학자가 못 된다. 난 과학자보다는 예술가 편이다.       

―당신의 일상을 행복하게 해 주는 것이 무엇인지.

“내 아이들과 아내다. 아이들이 세상을 순진한 눈으로 보는 것을 보면 참담한 경우에도 희망을 보게 된다. 아이들의 눈으로 세상을 보는 것은 좋은 일이다. 그로 인해 나는 스스로를 재충전하고 다음 날을 준비하게 된다.”

―다시 제이슨 번 역을 맡게 된 소감은 어떤지.

“역을 위해서 그 어느 때보다 트레이닝을 많이 했다. 폴 그린그래스 감독이 첫 장면에서 내 모습이 볼썽사나우면 영화는 끝장이라는 말 때문이었다. 나긋나긋하면서도 강인한 몸을 만들기 위해 많은 훈련을 받았다. 지금 1주일 간의 촬영을 마쳤는데 굉장하다. 내년 7월에 개봉한다. 그동안 세월이 많이 지나 난 잿빛머리를 하고 나온다.” 

                                                              <한국일보 박흥진 편집위원/ hjpark1230@gmail.com>

       

                           

      

                         

스펙터(Spectre)

스펙터의 정체를 캐기 위해 오스트리아 알프스에 온 본드가 적들과 총격전을 벌이고 있다.

어디서 한번쯤 봤다싶은 액션의 홍수

007 시리즈 24번째로 신선한 소재가 떨어졌는지 독창성과 깊은 감정적 분위기가 부족한 평범한 액션영화에 지나지 않는다. 액션은 소화불량에 걸릴 정도로 많지만 플롯이 산만하고 영특하지 못한 데다가 본드 영화의 중요한 요소인 본드걸과 본드 빌런의 배역 선정이 잘못돼 영화에 대한 흥미를 감소시킨다.
본드 영화의 근본 골격인 월터 PPK 총을 차고 보드카 마티니를 마시는(셰이큰 낫 스터드) 본드와 본드 걸과의 정사 그리고 본드 빌런과 Q(벤 위셔-멋이 없다)가 제조한 각종 신병기와 애스턴 마틴 자동차를 비롯해 본드 빌런에게 붙잡힌 본드가 죽을 고생을 하다가 탈출해 적을 일망타진하고 본드걸과 함께 떠나는 순서를 그대로 유지하고 있는데 같은 얘기를 계속해 보고 듣자니 이젠 식상하다.
영화에서 가장 박진한 액션이 있는 멕시코시티의 ‘사자의 날’ 퍼레이드로 시작된다. 본드(대니얼 크레이그)는 전편 ‘스카이폴’에서 사망한 자신의 상관 M(주디 덴치)이 남긴 지령에 따라 교활하고 사악한 프란츠 오버하우저(크리스토프 월츠-카리스마가 절대적으로 부족하다)가 두목인 테러집단 스펙터의 하수인 중 하나인 스키아카라를 처치하기 위해 이 곳에 왔다. 인파로 운집한 광장 위를 나르는 헬기에서 본드와 스키아카라가 벌이는 격투가 장관이다.
본드가 이처럼 본부인 MI6의 새 상관 M(레이프 화인즈)의 명령체계를 무시하고 단독으로 활동하면서 M은 본드를 버리다시피 한다. 이런 본드를 충실히 돕는 여자가 M의 비서 모니페니(네이오미 해리스). 그런데 M은 시건방진 막스 덴비가 주도하는 MI5와 MI6의 통폐합으로 의기소침해 있다. 막스의 포부는 전 세계 정보망을 런던의 본부 하에 관리하자는 것. 이같은 전 세계에 대한 정보 소유가 중요한 플롯이다.    
이어 장소는 로마로 옮겨져 본드는 스키아카라의 미망인(51세의 육체파 모니카 벨루치가 본드영화 사상 가장 나이 먹은 본드 걸로 단 두 장면에 나온다)과 잠자리를 같이하면서 그녀로부터 스펙터 본부의 위치를 알아내고 그 곳으로 침투한다. 여기서 사람을 맨 손으로 잡는 거구의 미스터 힝스(데이브 바우티스타)가 소개된다.
이어 장소는 오스트리아의 알프스로 옮겨지면서 본드는 왕년의 자신의 적이었다가 프란츠를 피해 잠적해버린 와이트의 딸로 스펙터의 정체를 캐내는데 결정적 열쇄를 쥔 정신과 의사인 마들렌 스완(레아 세이두-본드와의 화학작용이 미지근하다)을 만나 둘이 함께 프란츠를 찾아 나선다.
이어 장소는 아프리카의 탠지에스로 이동한다. 달리는 열차에서 본드와 미스터 힝스 간에 무자비하고 가혹한 격투가 장시간 벌어지는데 이 장면은 시리즈 제2편 ‘007 위기일발’에서 션 코너리와 로버트 쇼가 달리는 열차 안에서 벌인 액션 신을 그대로 닮았다. 이 영화 외에도 ‘골드핑거’도 흉내를 내고 있다.
샘 스미스가 부르는 주제가와 토머스 뉴만의 음악 그리고 촬영과 의상과 프로덕션 디자인 등은 다 훌륭하다. 그러나 기시감을 떨쳐 버릴 수 없는 영화다. 감독은 ‘스카이폴’을 만든 샘 멘데스. PG-13. Sony. 전지역. ★★★(5개 만점)  <한국일보 박흥진 편집위원/ hjpark1230@gmail.com>

트럼보(Trumbo)

트럼보가 독수리타법으로 각본을 쓰고 있다.

할리웃에 불어닥친 ‘공산당 때려잡기’

2차 대전 종전 직후 미국에 불어 닥친 공산당 때려잡기(Red Scare)의 제물이 되었던 저명한 영화 각본가 달턴 트럼보의 삶을 다룬 향수감 짙은 코믹 터치가 있는 드라마로 할리웃의 옛 모습과 정상을 들여다볼 수 있는 흥미 있는 작품이다. 영화가 스케일이 작아 TV 작품처럼 느껴지는 것이 흠이나 보통 사람들이 잘 모르는 ‘레드 스케어’의 실상을 상세히 기술했고 또  배우들의 연기가 훌륭해 영화사에 관심 있는 사람들에겐 안성맞춤의 작품이다.
‘레드 스케어’와 맥카시즘으로 인해 할리웃은 배우와 감독과 각본가 등 수 많은 재주 있는 사람들을 잃었는데 이 중 어떤 사람들은 자살했고 또 일부는 해외로 도피했는가 하면 트럼보 같은 사람은 10년간이나 블랙리스트에 올라 남의 이름으로 각본을 써야 했다.
영화는 미 연방하원의 비미국인 활동조사위가 할리웃의 진보파와 좌파들을 때려잡기 위해 의회에서 청문회를 열고 좌파 영화인들을 소환, 각자의 공산당과의 관계를 묻던 1947년부터 시작한다.
1930년대와 40년대 할리웃의 탑 각본가 중 하나였던 트럼보(브라이언 크랜스턴)는 이 때 이미 ‘키티 포일’과 ‘도쿄 상공의 30초’ 및 ‘조라는 이름의 사나이’ 등의 각본을 써 명성을 날릴 때. 줄담배에 술꾼인 트럼보는 쏜살 같이 각본을 쓸 때 자주 목욕탕 욕조에 앉아 썼다.
위트 있고 신랄한 일벌레로 정의파인 트럼보는 MGM 전속으로 한창 잘 나가다가 노동자의 권리를 주창하는 공산당에 가입하면서 의회 조사위의 표적이 된다. 트럼보를 원수처럼 여기는 또 다른 사람이 당시 스튜디오 보스들을 덜덜 떨게 만들 정도로 세력이 강했던 할리웃 칼럼니스트 헤다 호퍼였다. 호퍼 역을 헬렌 미렌이 맡아 밉살스럽게 해낸다.
트럼보는 청문회에 출두, 묵비권을 행사하면서 의회 모독죄로 1950년 1년간 영창생활을 했는데 이 때 트럼보와 함께 묵비권을 써 감옥에 간 10명의 감독과 각본가들을 ‘할리웃 텐’이라고 부른다. 트럼보의 이런 신조 때문에 특히 심적으로 고생이 심한 것이 그의 부인 클리오(다이앤 레인)와 세 남매. 그러나 그들은 트럼보를 굳세게 지원한다.
영화의 후반은 트럼보가 출옥한 뒤의 생활을 그리고 있다. 그는 블랙리스트에 올라 남의 이름을 빌려 글을 쓰면서 싸구려 영화전문 제작자인 프랭크 킹(존 굿맨이 웃긴다)을 위해 싸구려 영화들을 국화빵 찍어내듯 써낸다.
이와 함께 그는 ‘로마의 휴일’과 ‘용감한 소년’의 각본을 써 둘 다 오스카상을 받으나 식장에서 상은 다른 사람이 받았다.            
트럼보의 블랙리스트를 깨어놓은 사람이 커크 더글러스다. 더글러스는 ‘스파르타커스’(1960)를 제작하고 주연도 겸하면서 트럼보에게 각본을 맡긴 뒤 그의 이름을 스크린에 올렸고 이어 오토 프레민저 감독이 ‘엑소더스’의 각본을 쓴 트럼보의 이름을 역시 스크린에 올리면서 블랙리스트도 소멸된다.
재미있는 것은 더글러스와 프레민저 및 극우파인 존 웨인 그리고 MGM 사장 루이 B. 메이어 등을 배우들이 맡아 보여주는 연기다. 생김새도 비슷하고 매너리즘도 비슷해 보기에 즐겁다. 크랜스턴이 약간 심술첨지 같은 연기를 능숙하게 잘 하고 레인과 굿맨을 비롯한 조연진의 연기도 좋다. 제이 로치 감독. R. Bleecker Street. 일부지역. ★★★½(5개 만점)
                                                               <한국일보 박흥진 편집위원/ hjpark1230@gmail.com>

런던의‘스펙터’

제임스 본드는 자신의 말을 물리지 않는 남자인줄 알았는데 제6대 본드인 대니얼 크레이그는 오리발을 내미는 남자였다. 그는 6일 개봉된 최신작 007시리즈 ‘스펙터’(Spectre) 촬영이 끝난 뒤 가진 한 인터뷰에서 “다시 본드 역을 맡겠느냐”는 질문에 대해 “다시 본드를 하느니 차라리 유리를 깨 손목을 끊겠다”면서 본드와의 작별을 선언했었다.

나는 크레이그가 이런 극언을 했을 때 ‘자기를 세계적 스타로 만들어주고 또 천문학적 숫자의 돈을 안겨준 본드에게 무슨 원한이 있어 저렇게 악에 받힌 소리를 하는가’하고 그의 인간성에 대해 회의를 했었다.  

그런데 지난달 런던에서 만난 크레이그는 같은 물음에 대해 “지난 2년간 ‘스펙터’에 매달려 당분간 본드를 원치 않는다”면서 “그러나 앞일은 모르겠다”고 과거 자기가 한 말에서 한 걸음 물러섰다.  

‘스펙터’의 제작자와 감독과 배우들과의 인터뷰는 할리웃 외신기자협회(HFPA)원들이 묵은 템즈 강변의 로열 호스가즈 호텔 건너편의 코린티아 호텔에서 있었다. 샘 멘데스 감독과 함께 가진 인터뷰장에 입장한 크레이그는 마지못한 미소를 지으면서 질문에 짤막하게 대답을 했는데 달랑 20분짜리 인터뷰가 끝난 즉시 “와 줘서 고맙다”더니 자리를 박차고 일어나 도망가듯이 인터뷰장을 빠져나갔다. 

소설 속의 본드는 비록 턱시도를 입고 다닐지는 모르지만 매우 무례하고 거칠고 사나우며 여자 알기를 신발털이 깔개 정도로 아는 남자로 인간성이 아주 고약한 사람이다. 나는 크레이그의 무례를 목격하면서 저 사람이 본드 노릇을 여러 번 하다보니 진짜로 본드 닮아 가는구나 하는 생각을 지워 버릴 수가 없었다. 

크레이그 본인도 자기가 한 말을 바꿨지만 007시리즈 제작권 소유자인 바바라 브로콜리도 “크레이그를 결코 놓아주지 않을 것”이라고 말했으니 몇년 후 크레이그를 다시 본드로서 만날 가능성이 많다. 

나는 브로콜리에게 최근 읽은 최신 본드소설 ‘트리거 모티스’를 영화로 만들 계획이냐고 물었다. 이에 브로콜리는 “나도 그 책을 재미있게 읽었지만 내용이 미소간 냉전시대의 얘기여서 현재를 시간대로 한 요즘 본드 얘기에 맞지 않아 영화로 만들지 않기로 했다”고 대답했다. 소설의 본드 빌런이 한국인인 신재성이어서 영화화에 대한 기대가 컸는데 실망이다.

본드영화의 필수품인 ‘스펙터’의 두 명의 본드걸 중 먼저 역대 시리즈 중 가장 나이가 많은 본드걸이라 해서 화제가 된 이탈리아 배우 모니카 벨루치(51)를 만났다. 긴 브루넷 머리에 위풍당당하고 육감적인 몸과 입술과 눈을 비롯해 모든 것이 짙은 얼굴을 한 벨루치는 성형수술에 관한 질문에 대해 “젊음의 미가 사라지고 나이가 먹으면 내면의 미가 있다”고 대답했다. 자기 나이를 51세라고 서슴없이 밝히는 그녀는 요가와 수영으로 몸매를 유지한다고 덧붙였다.

또 다른 본드걸은 프랑스 배우 레아 세이두. 조용한 소녀 같았는데 내가 “당신은 본드걸로 불리는 게 아무렇지도 않은가. 내가 듣기엔 마치 본드의 월터 PPK나 오메가시계처럼 그의 소유물 같이 들린다”고 물었다. 이에 세이두는 “난 그렇게 불리는 것에 상관 않는다”면서 “요즘 본드걸들은 시대변화로 옛날 본드걸들보다 강해졌다”고 대답했다.

그런데 세이두는 월터 PPK가 본드가 애용하는 권총인줄을 몰라 내게 “월터 PPK”하고 되물었다. 본드걸로 나오는 여자가 사전준비가 부족하구나 하고 생각했다. 그러면서도 세이두는 본드영화에 나온 것은 꿈의 실현 이상이라면서 다시 본드영화에 나오고 싶다고 바랐다.

세이두는 본드의 상관 M의 여비서 모니페니 역의 네이오미 해리스와 함께 인터뷰를 했다. 내가 해리스에게 물었다. “옛날 본드영화의 모니페니는 본드를 진짜로 사랑했는데 당신은 본드를 욕망하지 않느냐.” 해리스는 이에 “나도 그를 몹시 원한다”고 대답하기에 내가 이번에는 “그런데 영화에서 보니 당신 애인이 있던데”라고 물었다. 이에 해리스가 말하기를 “그 사람은 내가 본드를 기다리는 동안의 대용품”이라고 대답, 모두들 깔깔대고 웃었다.

본드영화에서 본드걸보다 더 중요한 본드 빌런인 ‘스펙터’의 두목 프란츠 오버하우저로 나온 여우처럼 생긴 오스트리아 배우 크리스토프 월츠는 생긴 것처럼 대답도 교활했다. 태도가 요사스럽고 말투가 사뭇 조롱조였는데 질문에도 미꾸라지 빠져나가는 듯이 대답했다. 크레이그와 함께 만나서 불쾌한 또 다른 인물이었다.

머무는 동안 런던은 깊은 가을답게 잿빛이었다. 인터뷰 후 시간이 나 템즈 강변을 산책했다. 강 좌우로 런던 아이와 빅벤이 얼굴을 내민 의사당이 요즘과 옛의 보기 좋은 조화를 이루고 있다. 런던에 갈 때면 자주 찾는 워털루브리지에 섰다. ‘애수’에서 비비안 리가 이 다리에서 달려오는 차에 몸을 던져 자살하던 장면이 생각났다. 

내친 김에 ‘스펙터’의 대형 포스터가 걸린 원주형 건물(사진)을 돌아 비비안 리가 전선으로 떠나는 로버트 테일러를 전송하던 워털루 스테이션으로 발길을 옮겼다. 역 구내는 영화에서처럼 인파로 붐볐다. 여기 어디선가 리와 테일러가 재회의 포옹을 나누고 있으리라는 착각을 즐기면서 밤길을 걸어 숙소로 돌아왔다. <한국일보 박흥진 편집위원/ hjpark1230@gmail.com>

   

                     

                   

‘워크’(The Walk)의 실제 모델 필립 쁘띠

“삶도 줄타기도 양극단의 균형을 잡는 것”

1974년 맨해턴 쌍둥이빌딩 사이 8차례 공중보행 성공
영화의 일부는 사실과 다르나 내 모험 보여준 것에 만족
지금도 하루 3시간씩 연습… 다음 목표는 모아이 석상 축제

지난 1974년 8월 7일 뉴욕 맨해턴의 쌍둥이빌딩 월드 트레이드센터의 양쪽 꼭대기 사이에 쇠줄을 맨 뒤 안전장치 없이 균형봉 하나만을 들고 두 건물 사이를 여덟 차례를 왕복해 걸은 프랑스 태생의 필립 쁘띠(66)와의 인터뷰가 지난 10월 4일 뉴욕의 리츠 칼튼호텔에서 있었다. 쁘띠의 이 공중보행을 로버트 즈멕키스 감독이 조셉 고든-레빗을 주연으로 써 스크린에 옮긴‘워크’(The Walk)가 현재 상영 중이다. 빨강 머리의 쁘띠는 나이 답지 않게 젊게 보이는데다가 생명력으로 가득 찼는데 장난 꾸러기 아이 같았다. 시종일관 인터뷰도 일어서서 마치 춤 추고 연기 하듯이 야단스런 제스처를 써 가면서 했다. 속사포 같은 속도로 위트와 유머를 마구 뒤섞어 질문에 대답했는데 인터뷰에 자기가 쌍둥이빌딩 사이를 걸었을 때 신은 발레화 같은 신발과 건물 사이를 쇠줄로 연결 할 때 쓴 활 그리고 길에서 재주와 묘기를 보일 때 쓴 탑해트를 가지고 와 보여 주면서 자랑했다. 그는 현재 뉴욕주 캣스킬에 살고 있다.  

-영화에서 재현된 당신의 삶과 공중 보행을 보고 느낀 점은 무엇인가.

“즈멕키스로부터 처음 전화를 받은 것은 9년 전이다. 처음에는 내가 직접 해설하는 식으로 만들려고 했다(영화에서는 고든-레빗이 자유의 여신상 꼭대기에서 해설한다.) 처음엔 내 자문을 100% 받았으나 후반에 가선 얼마 안 받았다. 그래서 다소 걱정이 됐다. 그러나 난 영화를 보고 좋은 인상을 받았다. 영화가 내 인물과 쌍둥이빌딩 그리고 내 모험의 정신을 살려 보여준 것에 만족한다. 물론 공중보행을 제외한 영화의 많은 부분은 사실과 다르다.”

-쌍둥이빌딩이 9/11 테러로 무너졌을 때 느낌이 어땠는가.

“난 여기에 그 참상의 슬픔과 공포를 얘기하려고 나온 것이 아니라 삶의 슬픔과 기쁨의 균형을 얘기 하기 위해 왔다. 당신의 귀중한 사람이 사라졌다고 해도 삶을 멈춰서는 안 되고 삶이란 극단적으로 반대되는 것으로 이루어졌다는 것을 말하고 싶다. 난 늘 쇠줄 위에서 균형을 잡아야 하기 때문에 그에 대해 잘 안다. 한 쪽으로는 눈물과 슬픔이 있지만 다른 한 쪽으로는 삶의 기쁨과 기억이 있다. 이 영화도 그 얘기를 하고 있다.”

-당신의 미국에서의 공중보행에 대한 프랑스인들의 반응은 무엇이었는가.

“내가 노트르담 성당의 두 탑 사이를 걸었을 때 전 세계가 그 사실을 1면에 보도했지만 유독 프랑스 신문들만 보도를 무시했다. 속 좁은 프랑스 사람들이다. 그 이후로 난 프랑스에 대해 좌절감을 느끼고 있다. 그리고 지난 수십년 동안 그들은 예술가로서 나를 고국에 초청하는 것도 아주 인색했다. 그러나 온 세계가 날 반기기 때문에 프랑스가 날 홀대한다 해도 신경 안 쓴다.”

-그 날의 일 중 공중보행 말고 기억에 남는 것은 무엇인가.

“그 때 뉴욕에 온 뒤로 8개월 간 묘기를 보이면서 생활했다. 그러나 난 영화에서처럼 무언극은 안 했다. 그리고 모지를 돌려 가면서 관중들로부터 돈을 받았는데 그 것은 결코 구걸이 아니다. 늘 경찰이 잡으러 오곤 해 외바퀴 자전거를 타고 내빼곤 했다. 마침내 거사의 날이 왔다. 쌍둥이빌딩 북쪽타워에 올라간 내 친구 장-루이가 내가 있는 남쪽타워로 화살을 쏴 날려 보냈다. 건물 사이를 쇠줄로 연결하는 도구다. 화살의 끝이 뭉툭하긴 했지만 그것에 찔릴까봐 아슬아슬 했다.”

필립 쁘띠가 월드 트레이드센터 사이를 공중보행하고 있다.

-고든-레빗이 당신과 닮은 데가 없는 점이 마음에 거슬리지 않는가.

“난 완벽주의자가 돼서 세상의 모든 것이 늘 마음에 안 든다. 그러나 이 영화는 어디까지나 사실에 바탕을 둔 허구이니 만큼 마음에 거슬릴 것까진 없다. 영화란 늘 인물과 진실을 다소 꾸며대기 마련 아닌가. 영화에서 내가 쇠줄 위에서 떨어지는 것도 사실 아니다. 난 한 번도 줄에서 떨어진 적이 없다. 조셉 고든-레빗은 매우 훌륭한 배우로 난 그를 8주간 훈련 시켰다. 그는 그 동안에 줄타기 뿐만 아니라 내 속사포식 말하기와 제스처와 표정도 연구했다. 날 훌륭하게 표현한 고든-레빗에게 경의를 표한다.”

-당신은 죽는 것이 무섭지 않은가.

“죽음이란 단어는 내 사전에 없다. 난 죽음을 깔보는 것이 아니라 오히려 삶을 깔본다고 해야 옳다. 나는 줄 위에 올라 균형봉을 잡고 걷기를 시작, 첫 걸음이 성공하면 끝까지 갈 수 있다는 확신을 갖곤 한다. 거기엔 절대로 의문이 없다. 난 결코‘아이구머니 줄이 날 잘 받쳐 주기만을 바란다’는 따위의 생각을 하지 않는다. 확신이 있기에 줄 위에 올라가는 것으로 그 것이야 말로 삶에 대한 긍정이다. 난 결코 내 생명을 위험에 빠지게 하는 것이 아니라 그 것을 신비롭고 고상하게 만드는 행위를 하는 것이다. 그 것은 요가와도 같다. 죽음이라는 단어에 감사를 표하는 바이다.”             

-당신의 보통 삶의 스타일이란 어떤 것인가.    

“난 도구를 사랑하는 기능공이다. 그 도구란 어떤 때는 공중 돌리기용 공일 수도 있고 쇠줄 위의 균형봉일 수도 있으며 또 목수의 도구일 수도 있다. 난 18세기 목수의 도구로 내가 필요한 것들을 만든다. 그리고 난 불가능을 공격하기를 좋아한다. 죽음이란 단어를 사전에서 제외하기 위해선 먼저 불가능을 다룰 줄 알아야 한다. 또 난 투사다. 불가능을 인정하지 않는 집요한 작은 쥐다.”

-매일 운동을 하는가.

“한다. 사람들이 내가 66세라면 모두 놀란다. 그 나이에 아직도 죽지 않고 온갖 묘기를 하는 나를 보고 깜짝들 놀란다. 난 내가 늙는다는 것을 잊고 산다. 지금도 주 6일 하루에 3시간씩 줄타기 연습을 한다.”

- 그 날 줄을 타면서 바람의 변화나 거리의 소음에 대해 신경이 안 쓰였는가.

“그 것에 대해 준비를 했다. 내가 에펠탑을 걸었을 때도 기상청을 방문해 과거 10년간 에펠탑주위의 바람의 속도와 방향에 관한 자료를 연구한 뒤에 걸었다. 그러나 막상 줄 위에 올라가기 전에는 그런 것들에 대해 정확히 안다고 할 수가 없다. 쌍둥이빌딩 사이를 걷기 전에 난 건축인부로 위장하고 빌딩 꼭대기에 올라가 밑의 소음을 조사했다. 철저히 빌딩과 친해지려고 했다. 빌딩을 내 가족처럼 아는데 8개월이 걸렸다. 따라서 그 뒤론 공포나 걱정 같은 것이 있을 수 없었다. 난 염려란 말에 신경 안 쓴다. 난 늘 신경을 총 집중해 만반의 준비를 한 뒤에 샐행에 들어간다.”

-8차례 왕복에 얼마나 걸렸는가.

“난 그 때 시계를 안 차서 몰랐지만 후에 친구들이 45분간 줄 위에 있었다고 알려줬다. 그러나 그 시간은 내게 있어 영원일 수도 있고 또 순간일 수도 있다. 따라서 시간은 내게 존재하지 않는다. 내가 안 늙는 것도 그 때문이다.

-8차례 왕복은 계획했던 것인가.

“한 번 건너간다는 것 외엔 아무 것도 사전에 계획한 것이 없었다. 난 돈이나 신기록이나 명성 때문에 공중보행을 한 것이 아니다. 영화에서처럼 내가 걷다가 줄 위에 앉아 아래의 공백을 내려다 보면서 생각한 것은 사실인데 타워가 날 부르고 있다는 시심을 느꼈었다. 그 후 난 예술적 연기가 하고 싶어서 왔다 갔다를 한 것이다. 내가 왔다 갔다 한 것은 경찰이 빌딩 꼭대기에서 날 기다리고 있어서가 아니다. 난 하늘에서 시를 쓰는 시인이 된 기분이었다. 줄 위를 걷고 그 위에 앉고 또 누운 것은 다 즉흥적인 연기였다.”

- 그 때 당신을 도와준 친구들은 그 뒤 어떻게 됐는가.

“모두 제 갈 길로 갔다. 일부는 내 절친한 친구로 남아 있고 또 일부는 내 성공에 대한 시기와 부러움 때문에 내게 등을 돌렸다. 특히 내 공중보행을 담은 기록영화 ‘줄 위의 남자’가 오스카상을 받은 것이 그런 질투의 원인이 됐다. 슬픈 일인데 내겐 그들이 여전히 나의 친구들이다.” 

-당신의 다음 계획은 무엇인가.

“쌍둥이빌딩 다음으로 내가 공중 예술을 표현한 것은 뉴욕에 있는 성요한 성당의 16층 높이를 걸은 것이다. 그 때 성당의 두 탑은 채 완공되지 않았을 때로 공중보행이 성공리에 끝나자 성당의 주교가 내게 성당전속 예술가라는 칭호를 주었다. 그러니까 난 등에 혹이 없는 현대판 콰지모도다. 난 지금 세계를 돌면서 공중보행을 하고 있다. 다음 목표는 남미의 이스터 아일랜드에 있는 모아이 석상들에서 쇼를 하는 것으로 라파 누이 원주민들과 함께 음악을 겸한 축제를 열 예정이다. 그리고 난 아직도 뉴욕공원에서 사람들에게 묘기를 보여주고 있다. 내 몸이 말을 안 들을 때까지 계속할 것이다.”

-쌍둥이빌딩 공중보행 후 인간적으로 변한 점이라도 있는가.

“없다. 내 이름이 전 세계에 알려져 내 인생이 바뀌긴 했지만. 내게 있어 명성과 돈이란 도구에 지나지 않는다. 그 경험 이후 내 인생이 직업적으로는 바뀌었지만 정신적으로는 바뀐 것이 없다.”    
                                            <한국일보 박흥진 편집위원/ hjpark1230@gmail.com>

                      

              

                     

우리의 상표는 위기(Our Brans Is Crisis)

보딘(왼쪽)은 카스티요(오른쪽)를 대통령에 당선시키려고 온갖 더티플레이를 한다.

술수 판치는 선거전 좌충우돌식 풍자

미 대통령 선거 시즌에 접어든 요즘 시의에 알맞은 정치 풍자 영화인데 심각한 드라마와 거의 스크루볼 코미디 같은 요소가 썩 잘 조화를 이루진 못 했다. 중구난방식의 짬뽕 같은 영화로 그런대로 즐길만은 하나 왜 하필이면 바나나공화국인 볼리비아에까지 내려가 그 나라의 선거에 개입하는 얘기를 만들었는지 그 까닭이 알쏭달쏭하다. 이 영화는 2002년의 볼리비아 대통령 선거 때 있었던 실화를 바탕으로 만든 완전한 허구다.

이 영화는 원래 주인공인 선거전략가로 조지 클루니가 나오기로 했다가 샌드라 불락으로 교체 됐다. 불락이 머리를 산발하고 산소통을 들고 다니면서 온갖 더티 플레이를 구사해 가며 자기가 미는 후보를 대통령에 당선 시키려고 좌충우돌 식으로 요란을 떠는 모습을 보고 있자니 골머리가 다 쑤신다. 지나치게 불락의 수퍼 스타 위치에 신경을 쓰면서 그녀를 부각시키려고 애 쓴 흔적이 역력해 거부감 마저 인다. 

선거에 질 사람 이기게 하는 마이다스 터치를 지닌 선거전략가 제인 보딘(불락)이 신경쇠약증세로 숲속 통나무 집에서 칩거하고 있는데 그녀를 잘 아는 두 명의 선거전략가(앤소니 맥키와 앤 다우드)가 찾아와 볼리비아 대통령 선거에 출마한 전직 대통령 카스티요(호아킴 데 알메이다)를 위해 함께 일 하자고 제의한다. 그런데 카스티요는 국민지지도가 달랑 8%로 출마자들 중 5위를 달리고 있다.

볼리비아에 내려간 보딘은 고지병에 시달려 구토를 하고 산소통을 들고 다니면서 마치 뿔난 황소 같이 씩씩대며 선거운동에 나선다. 그 태도가 안하무인이요 오만방자하지만 실력이 있는 만큼 모두 그녀의 말에 복종할 수 밖에 없다. 그런데 보딘은 스패니쉬도 못 하고 카스티요에 대해 아는 것도 없다. 

보딘이 몰랐던 사실은 카스티요의 라이벌로 국민들의 지지를 받고 있는 리베라(루이스 아르셀라)의 선거참모가 자신의 천적인 팻 캔디(빌리 밥 손턴)라는 사실. 그는 여자 알기를 우습게 아는 교활하고 수리수리 마수리에 능통한 자로 보딘은 그와 맞서 한 번도 이긴 적이 없어 이 번 대결이야 말로 개인적 복수의 일전이다.

보딘과 캔디가 치열하게 맞붙으면서 벌어지는 기만과 조작 그리고 더티 플레이의 정치적 게임이 가관인데 여기서 보딘이 내 건 슬로건이 ‘우리의 상표는 위기’. 즉 국민에게 카스티요 아닌 다른 사람을 뽑으면 위기가 오게 된다는 겁주는 전략이다. 이를 위해 보딘은 서슴 없이 거짓말 까지 동원해 상대를 비방한다. 

정치란 원래 사기요 정치가들은 다 거짓말쟁이라는 것이 새삼스런 것도 아니나 이 영화에서 서 그 사실이 다시 드러난다. 그리고 정치가들도 할리웃 배우들 처럼 ‘인식’에 목을 매 단 사람들이라는 것도 다시 깨닫게 된다. 

각본이 독창적이라기 보다 남들이 말한 명언들을 빌려다 온 것처럼 인용구가 많고 불락의 연기가 과도하다. 기만과 술수를 생의 신조 처럼 여기며 살던 보딘이 정치가들에게 실망해 사회활동가가 되는 마지막 처리는 터무니 없는 농담이다. 데이빗 고든 그린 감독. R. WB. 전지역. ★★★(5개 만점) <한국일보 박흥진 편집위원/ hjpark1230@gmail.com>

번트(Burnt)

애담이 마치 예술품 창작하듯 요리를 하고 있다.

성질 고약한 셰프의 재기 몸부림

잘 나가던 자리에서 자기 잘못으로 바닥으로 떨어진 남자가 자기 구제와 함께 재기하려고 몸부림 치는 판에 박은 얘기로 별 필요도 없는 지절대는 말이 많고 공연히 시끄럽고 분주한 통속적인 영화다.  

수퍼 스타 브래들리 쿠퍼가 몰락한 셰프로 나와 과거를 속죄하고 다시 명품 요리를 만들려고 열불을 내는데 성질이 고약한데다가 이기적이고 욕설을 밥 먹듯이 내 뱉는 바람에 정나미가 뚝 떨어진다. 각본가와 감독의 의도가 브래들리를 그런 인간으로 만들어 놔야 그의 자기 구제와 재기가 더 극적이라는 것인 줄은 모르겠으나 보는 사람으로선 도무지 호감이 가질 않아 영화에 다가 가게 되질 않는다. 

볼만한 것은 식당의 요리사들이 음식을 만드는 장면. 마치 전쟁 하듯이 치열하고 또 때론 조각품을 만들 듯이 마음과 정성이 지극한데 긴장감 마저 감돈다. 

파리의 미셸린 스타 2개짜리 식당의 명 셰프이던 애담 존스(쿠퍼)는 약물과 술로 인해 나락으로 떨어진 뒤 속죄하는 식으로 뉴올리언스의 식당에서 일 하다가 재기를 위해 런던으로 간다. 여기서 그는 과거의 친구이자 라이벌이었던 토니(다니엘 브륄)가 경영하는 식당의 셰프로 취직한다. 애담이 수 셰프로 데려온 사람은 파리에서 있었을 때 라이벌이었던 미셸(오마르 시). 그런데 애담은 파리에서 미셸에게 못 할 짓을 했는데도 미셸은 애담을 쉽게 용서한다. 미셸이 그런데는 이유가 있다.

여기에 가담하는 다른 사람이 혼자 어란 딸을 키우는 독립심 강한 수 셰프 헬렌(시에나 밀러-그녀와 쿠퍼는 ‘아메리칸 스나이퍼’에서 공연했다). 애담과 헬렌이 사랑을 하게 된다는 것은 삼척동자도 아는 일. 헬렌이 어떻게 그렇게 성질이 더러운 애담을 사랑하게 되는지 불가사의다.

영화의 많은 부분이 애담이 독재자처럼 요리사들을 부리면서 음식을 만드는 장면에 할애 되는데 애담이라는 인간이 그야말로 호로 자식 같은 자여서 헬렌과 토니와도 충돌이 잦다. 아무리 요리를 잘 한다 하지만 이런 인간을 어떻게 좋아할 수가 있는지 일다가도 모를 일. 

영화의 클라이막스는 미셸린이 파견한 음식 판정가에게 제공할 음식을 애담과 그의 요리사들이 만드는 장면. 마치 전투에 나가기 전 작전지도를 보면서 작전을 짜듯이 긴장감 감돈다.

쿠퍼에게 이런 역은 식은 죽 먹기나 마친 가지. 연기 실팍하게 하는 것은 밀러다. 음식평론가로 나온 우마 서만과 애담의 전처로 나온 알리시아 비칸더는 완전히 소모품. 눈 요기 거리로 적당한 영화다. 존 웰스 감독. R. Weinstein. 일부지역. ★★★(5개 만점)

                                                              <한국일보 박흥진 편집위원/ hjpark1230@gmail.com>

빨강머리 모린 오하라

새빨간 머리답게 성질도 불같았던 할리웃 황금기 스크린의 여왕으로 아일랜드 더블린 태생인  모린 오하라하면 대뜸 떠오르는 영화가 존 웨인과 공연한 ‘아일랜드의 연풍’(The Quiet Man 1952)이다.
원제와는 엉뚱하게 다른 한국어 제목에서 볼 수 있듯이 이 영화는 미국에서 권투선수로 활약하던 웨인이 은퇴 후 아일랜드의 시골고향으로 돌아와 아름답고 불같은 성격을 지닌 오하라와 격정적인 로맨스를 엮는 흥미진진한 얘기다. 역시 아일랜드계인 존 포드가 감독해 오스카 감독상과 함께 눈이 따가울 정도로 알록달록한 총천연색 촬영도 오스카상을 받았다.  
난 꼬마 때 이 영화를 봤는데 특히 지금도 잊지 못할 장면은 캡을 쓰고 레인코트를 입은 웨인이 강풍에 빨강머리가 마당 빗질하듯 날리는 자기를 마다하는 오하라의 손을 잡아 끈 뒤 뜨거운 키스를 퍼붓는 모습이다(사진). 사랑이 무언지 채 모르던 꼬마의 가슴이 황홀감에 빠졌던 기억이 생생하다.
오하라와 포드는 이 영화를 비롯해 오스카 작품상과 감독상을 탄 ‘나의 계곡은 푸르렀다’와 ‘리오 그랜드’ 및 ‘롱 그레이 라인’ 등 총 5편의 영화를 함께 만들었다. 오하라는 웨인과도 멋 있는 콤비를 이루면서 ‘아일랜드의 연풍’ 외에도 모두 웨스턴인 ‘리오 그랜드’와 ‘맥클린톡!’ 및 ‘빅 제이크‘ 등 모두 5편에서 공연했다.
웨인은 오하라를 “크고, 원기왕성하며 절대적으로 멋들어진-확실히 내 스타일의 여자”라고 찬탄했다. 오하라 역시 “나만이 존 웨인을 상대할 만큼 크고 강인한 주연여우였다”고 웨인의 말에 동의했다.
오하라가 지난 24일 아이다호주 보이지에서 95세로 별세했다. 그녀가 침상에서 조용히 세상을 떠날 때 가족들은 그녀가 가장 좋아하는 영화인 ‘아일랜드의 연풍’의 음악을 틀었다고 한다.  
오하라는 아이리시 답게 성질이 불 같았을뿐 아니라 강하고 굳세며 담대했는데 빨강머리에 커다란 초록색 눈과 붉고 탐스런 입술 그리고 크림 빛 피부에 체격이 큰 화끈한 미녀여서 생전 ‘총천연색의 여왕’이라고 불렸다. 거구의 웨인과 과연 맞설만한 여자로 스크린을 압도했는데   꼬마 때 그녀의 영화를 많이 본 나로선 오하라가 화면에 나타나면 위협감마저 느꼈었다.
오하라의 영화 중 내 기억에 생생한 또 다른 영화가 중앙극장에서 본 절세미남 타이론 파워가 해적으로 나온  ‘흑조’다. 두 미남미녀가 사랑의 줄다리기를 하다가 뜨겁게 입술을 맞추는데 오스카 촬영상을 탄 총천연색 영화에 딱 맞는 불타는 키스였다. 오하라가 나온 또 다른 해양모험영화로 재미 있는 것이 더글러스 페어뱅스 주니어가 신배드로 나온 화려한 총천연색 ‘뱃사람 신배드’다.
오하라는 부당한 것에 굴복치 않는 여자로 1950년대 후반 할리웃의 가십전문지 ‘칸피덴셜’을 상대로 소송을 제기, 큰 화제가 됐었다. 오하라는 이 잡지가 자신이 외간 남자와 차이니즈극장에서 뜨거운 애무행위를 나눴다고 허위보도를 하자 소송을 제기해 승소, 결국 ‘칸피덴셜’은 문을 닫고 말았다.
어렸을 때부터 연극으로 연기실력을 쌓은 오하라는 18세 때인 1939년 런던에서 히치콕이 감독한 ‘자매이카 인’으로 스크린에 데뷔했는데 여기서 공연한 명우 찰스 로턴의 눈에 띄어  같은 해 할리웃에 진출했다. 오하라는 로턴이 콰지모도로 나온 ‘노트르담의 곱추’에서 집시 에스메랄다로 나왔는데 18세라곤 도저히 믿어지지 않는 성숙한 모습이다. 그리고 3개월만 머물기로 했던 미국체류가 유럽에서 전쟁이 나면서 그녀의 할리웃생애가 시작됐다.
오하라의 영화 중 내가 재미 있게 본 또 다른 것이 브라이언 키스와 1인2역의 헤일리 밀스와 공연한 ‘페어런트 트랩’과 경남극장에서 본 헨리 폰다와 공연한 ‘스펜서의 산’이다. 극장에서 오하라를 못 본 젊은 세대들이라도  해마다 크리스마스 시즌이면 TV를 통해 방영되는 ‘34가의 기적’을 통해 그녀를 만났을 것이다. 메이시백화점의 산타 클로스인 크리스 크링글이 산타를 믿지 않는 소녀(나탈리 우드)에게 자기가 진짜 산타라는 것을 증명하기 위해 법정에 까지 서는 얘기로 오하라는 우드의 어머니로 나온다.
생애 50여편의 영화에 나온 오하라는 미모 때문에 자신의 연기 실력을 충분히 발휘 못한 배우로 그녀의 많은 역이 주연남우의 장식품 같은 것이었다. 그래서 오하라는 진지한 역을 얻기 위해 자신의 ‘예쁜 여자’라는 이미지와 끊임 없이 다퉈야 했다. 오하라는 “내가 유럽으로 돌아 갔다면 보다 많은 강한 성격 위주의 역을 맡았을 것이 분명하다”면서 “그러나 스튜디오는 결코 내 재능이 내 얼굴을 능가하는 것을 허락하지 않았다”고 술회한바 있다. 그녀의 명복을 빈다. 한편 TCM은 11월 20일 오하라의 영화를 24시간 마라톤 방영한다.
                                                             <한국일보 박흥진 편집위원/ hjpark1230@gmail.com>